Juan Marsé, Cristina Peri Rossi, Juan Goytisolo y Joan Margarit. --cuatro premios recientes--

Cuatro premios a cuatr@ escritores:

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Premio Cervantes, Loewe de poesía, Nacional de las letras y Nacional de poesía. del Mº de Cultura o sea: 125.000 € (Cervantes), por toda una trayectoria; 20.000 € (Loewe) por el poemario “Play Station”, 40.000 € (el de las letras) por toda la obra y otros 20.000 € (el nacional de poesía) por “Casa de Misericordia”.

¿Qué tienen en común? no lo sabría decir, quizás que los cuatro son bastante heterodoxos, que excepto en el caso de Cristina, están ligados a la ciudad de Barcelona, o que para variar los jurados han sido algo mas atrevidos de lo normal, quien sabe a lo mejor lo inconformista, lo políticamente incorrecto es hoy en día más necesario que nunca e incluso hasta que estas cuatro “bestias de la literatura” en este nuestro país de analfabetos –o sea, como decía Margarit: “que no se conocen a si mismos”—pueden ser tenidos en cuenta y obtener un merecido homenaje..

De Juan Marsé se ha escrito tanto…que si hijo de obreros, que si sus personajes son burdos (pijoaparte y cia), pero no olvidemos que fue amigo de Gil de Biedma, de Carlos Barral y que en sus novelas (o te gustan o las aborreces) cuenta las peripecias, miserias y grandezas de los derrotados, de los supervivientes del franquismo en los barrios deprimidos de una Barcelona muy diferente de esta actual , de diseño y parque temático; no se trata de un escritor innovador, ni vanguardista; escribe para que la gente lo entienda, siempre ha sido un tipo integro, irreverente, sarcástico….

Cristina Peri Rossi, la primera mujer en recibir ese galardón no ha tenido pelos en la lengua (nunca los ha tenido) al reconocer que se presentó por el dinero del premio; su poemario, Play Station un compendio de anécdotas y vivencias, --según sus palabras, "un poemario audaz en las antípodas de la corrección formal", opina Peri Rossi que la poesía española debe modernizarse como hizo la americana con Bukowski; para muestra sus versos: “Aquella mujer me gustaba mucho / pero me propuso que formáramos una familia”, “¿tu que haces por Navidad?, me preguntó entonces. / Busco una emisora de música clásica le dije / y juego con la Play Station”.

Juan Goytisolo, el tercero de la saga (Jose Agustín, Luis y Juan), intelectual reconocido internacionalmente y novelista comprometido con las minorías, observa los avatares patrios desde su residencia de Marrakech.

Joan Margarit, escribió su primer poemario en 1963, es catedrático, arquitecto y poeta bilingüe. El poeta augura un "buen futuro" a la poesía porque ésta es la "última casa de misericordia". "Si afuera sólo nos espera la intemperie, la filosofía, la música, la pintura y la poesía son las únicas que nos pueden brindar cobijo", nos dice..

La reacción de los premiados ha sido –como no podía ser de otras forma —desigual y atípica. A Goytisolo le dio igual recibirlo, contestó que los premios no significan nada. Peri Rossi dijo estar gratamente sorprendida por ser la primera mujer en recibirlo. Margarit en cambio comentó que llegaba tarde, que a su edad ya no le hacia maldita falta y Juan Marsé, que recibió la noticia en el ambulatorio, manifestó –en su línea—que se lo gastaría en mujeres y vino.

John Fante. Pregúntale al polvo. Prólogo de Bukowski

Fante, la inspiración del realismo sucio de Charles Bukowski, si os gusta éste, es preciso leer a Fante, en especial "Pregúntale al polvo" de 1939, copio por esclarecedor el prólogo de C.B. para la edición española de Anagrama.
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PROLOGO

YO era joven, pasaba hambre, bebía, quería ser escritor. Casi todos los libros que leía pertenecían a la Biblioteca Municipal del centro de Los Angeles, pero nada de cuanto me caía en las manos tenía que ver conmigo, con las calles, ni con las personas que me rodeaban. Me daba la sensación de que todos se dedicaban a hacer juegos de prestidigitación con las palabras, que aquellos que no tenían prácticamente nada que decir pasaban por escritores de primera línea. Sus libros eran una mezcla de sutileza, artesanía y formalismo, y era esto lo que se leía, se enseñaba en las escuelas, se digería y se transmitía.
Era un invento cómodo, una Logocultura ingeniosa y prudente. Había que volver a los autores anteriores a la Revolución Rusa para encontrar algo de aventura, un poco de pasión.
Había excepciones, pero eran tan escasas que se agotaban rápidamente y uno se quedaba sin saber qué hacer ante las filas interminables de libros insípidos. A pesar de todo lo que podía haberse aprendido en los siglos precedentes, los autores modernos no eran lo que se dice muy hábiles.
Cogía de las estanterías un libro tras otro. ¿Por qué nadie decía nada? ¿Por qué no alzaba nadie la voz por encima de la de los demás?
Probé en las distintas secciones de la biblioteca. La sala de Religión me pareció un páramo tan vasto como inútil. Fui a la de Filosofía. Di con un par de alemanes resentidos que me estimularon una temporada, hasta que los olvidé. Probé con las matemáticas, pero las matemáticas superiores no se diferenciaban de la religión. no me afectaban en absoluto.
Lo que yo buscaba no se encontraba al parecer en ninguna parte.
Probé con la geología, y al principio sentí cierta curiosidad, pero me resultó insustancial a la postre.
Descubrí ciertos libros sobre cirugía y me gustaron los libros sobre cirugía: las palabras eran nuevas y maravillosas las ilustraciones. En concreto, me gustaron y memoricé los detalles de las operaciones del mesocolon.
Al final abandoné la cirugía y volví a la gran sala abarrotada de autores de novelas y cuentos. (Cuando tenía morapio en abundancia no iba por la biblioteca. Una biblioteca era un lugar estupendo para pasar el rato cuando no se tenía nada para comer o beber y cuando la dueña de la casa le perseguía a uno con los recibos atrasados del alquiler. En la biblioteca, por lo menos, se podía ir al lavabo sin problemas.) Vi muchísimos compañeros de vagabundeo allí, y casi todos dormidos sobre el libro abierto.
Seguí recorriendo la sala general de lectura, cogiendo libros de los estantes, leyendo unas cuantas líneas, unas cuantas páginas, y dejándolos en su sitio a continuación.
Pero cierto día cogí un libro, lo abrí y se produjo un descubrimiento. Pasé unos minutos hojeándolo. Y entonces, a semejanza del hombre que ha encontrado oro en los basureros municipales, me llevé el libro a una mesa. Las líneas se encadenaban con soltura a lo largo de las páginas, allí había fluidez. Cada renglón poseía energía propia y lo mismo sucedía con los siguientes. La esencia misma de los renglones daba entidad formal a las páginas, la sensación de que allí se había esculpido algo. He allí, por fin, un hombre que no se asustaba de los sentimientos. El humor y el sufrimiento se entremezclaban con sencillez soberbia.
Comenzar a leer aquel libro fue para mí un milagro tan fenomenal como imprevisto.
Tenía tarjeta de lector. Rellené la hoja del servicio de préstamo, me llevé el libro a casa, me tumbé en la cama, me puse a leerlo y mucho antes de acabarlo supe que había dado con un autor que había encontrado una forma distinta de escribir. El libro se titulaba "Pregúntale al polvo" y el autor se llamaba John Fante. Tendría una influencia vitalicia en mis propios libros. Acabé "Pregúntale al polvo" y busqué más libros de Fante en la biblioteca. Encontré dos. Dago red y Espera a la primavera, Bandini. La calidad era la misma, se habían escrito con el corazón y las entrañas y no hablaban de otra cosa.
Sí, Fante tuvo sobre mí un efecto poderoso. Poco después de leer los libros que he citado conviví con una mujer. Estaba más alcoholizada que yo, sosteníamos peleas violentas y a menudo le gritaba: «1No me llames hijo de puta! ¡Yo soy Bandini, Arturo Bandini!».
Fante fue para mí como un dios, pero yo sabía que a los dioses hay que dejarles en paz,
que no hay que llamar a su puerta. Sin embargo, me ponía a hacer conjeturas sobre el punto exacto de Angel’s Flight en que al parecer había vivido y hasta pensaba que a lo mejor seguía viviendo allí. Casi todos los días pasaba por el lugar y me preguntaba: ¿será ésa la ventana por la que se deslizaba Camila? ¿Es ésa la puerta de la pensión? ¿Es ése el vestíbulo? No lo he sabido nunca.
Treinta y nueve años más tarde he vuelto a leer Pregúntale al polvo. Quiero decir que lo he vuelto a leer este año y que todavía se sostiene, al igual que las demás obras de Fante, pero que éste es el libro que prefiero porque constituyó mi primer encuentro con la magia.
Escribió otros libros, además de Dago red y Espera a la primavera, Bandini. Por ejemplo, Plenitud de vida y The brotherhood of the grape. En la actualidad está escribiendo otra novela, A dream of Bunker Hill.
Al final, gracias a otras vicisitudes, he conocido al novelista este mismo año. Queda mucho por decir de la vida de John Fante. Una vida con una suerte extraordinaria, con un destino horrible y llena de una valentía tan natural como insólita. Es posible que se cuente algún día, aunque creo que a él no le gustaría que yo la contase aquí. Permítaseme decir, sin embargo, que en su forma de escribir y en su forma de vivir se dan las mismas constantes: fuerza, bondad y comprensión.
Es todo. A partir de este momento, el libro pertenece al lector.
CHARLES BUKOWSKI

5-6-79

Eva Pérez i Nelo Vilar, performance en el Institut Français

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El proper dimarts 2 de desembre, a les 20:00 h, Eva Pérez i Nelo Vilar estrenaran una acció en la inauguració de l'exposició de fotografia de Vicente Torregrosa, "Le pain... c'est la France!".
Institut Français de Valencia - C/ Moro Zeit, 6 - 46001 Valencia
Allí us esperem.

EVA PEREZ Campanar, 1980. Llicenciada en Belles Arts a València. Artista perfórmer. Ha participat en trobades com Portes Obertes al Cabanyal, diverses accions col·lectives a València i festivals com Nits d´Aielo i Art , quan encara estava ubicat a Aielo de Malferit; o Influxus , al Museo Vostell (Malpartida de Càceres). Membre actiu de l'Associació Cultural Sinberifora , que organitza el cicle Arrt d'Accció a l'Octubre CCC. Anteriorment, membre de l'Associació Cultural Menosuno , de Madrid, encara que amb una finalitat ben diferent: no es tractava tant de treballar en la gestió col·lectiva, sinó mes bé de crear un sac o una base de dades eclèctica d'artistes on poder estirar d'un fil i muntar exposicions.
NELO VILAR Artana, 1968. Doctor en Belles Arts. Artista-gestor, practica la performance, la maniobra artística o la intervenció desmaterialitzada. Ha fet accions arreu de l'Estat, a França, Alemanya, Quebec... Membre de A.C. Sinberifora, ha participat en xarxes d'artistes i animat els circuits de l'art alternatiu o paral·lel. Treballa com a peó agrícola i algunes voltes com a gestor cultural independent

UNA OJEADA A LAS REVISTAS ENSAMBLADAS

"Utopia" poema visual de J.L. Campal

UNA OJEADA A LAS REVISTAS ENSAMBLADAS
Jose Luis Campal

El fenómeno de las revistas ensambladas (assembling magazines, nombre tomado de un proyecto de Richard Kostelanetz denominado Assembling) asignado al mundo de la experimentación visual se ha impuesto en las últimas décadas como una posible vía de exploración y a la vez de escape de la masificación impersonalizada que empezaba a detectarse en los productos artísticos alternativos, al hecho de que una misma creación pueda procrearse cuantitativamente con el simple acceso a tecnologías de coste asumible como la fotocopiadora, en el que la diferencia entre una publicación impresa y otra reprografiada no estriba más que en la calidad, durabilidad o maleabilidad de los productos. En los años 80 llegó un momento en que la independencia cada vez se parecía más al consumismo vestido con ropajes disimuladores y menos a un vehículo artístico autogestionado, por lo que se exigía la generación de productos que fueran difícilmente reproducibles. Las revistas ensambladas fueron la respuesta, publicaciones colectivas que cuajaron de forma espontánea y múltiplicadora en el microcosmos mail-artista y visualista, revistas en las que los colaboradores no aportaban sólo las obras desde un punto de vista artístico, sino también material, ya que cada uno suministraba al coordinador de la revista el equivalente a las páginas, con lo que la función del responsable de la revista ensamblada se limitaba al montaje (el assemblage propiamente dicho) de las diferentes �páginas� en cada número, materiales que convierten a cada ejemplar en museos transportables de arte actual. El término ensamblada es simplemente operativo y precisaría una revisión, ya que no engloba completamente a muchas publicaciones en las que lo que se hace es reunir, agrupar o compilar producciones distintas en cajas o recipientes troquelados, sin que exista un ensamblaje perceptible.
Las revistas ensambladas, como ha escrito Vittore Baroni en su libro Arte postale (1998), constituyen «un�alternativa indipendente e cooperativistica all�editoria tradizionale». En otro texto, debido a Guillermo Deisler, figura clave en el panorama experimental de las últimas décadas del siglo XX, y titulado «De la red de arte-correo a las revistas ensambladas de poesía visual y experimental» y fechado en la ciudad alemana de Halle el 10 de mayo de 1991, se dice lo siguiente: «Estos proyectos han nacido como una alternativa al deterioro en la calidad de los mensajes producidos fundamentalmente por el uso masivo de trabajos fotocopiados y por la necesidad de rescatar creatividad y originalidad a través de conceptos más concretos orientados a un diálogo más duradero y a consolidar el lenguaje icónico como el vehículo de la comunicación internacional, como la �escritura� comprensible más allá de las fronteras idiomáticas y como el puente que hace realidad la comprensión y colaboración mutua». El editor de la revista ensamblada Edition YE, Theo Breuer, cifra el espíritu de su proyecto en cuatro pilares, válidos para el común de publicaciones semejantes, y que son: «Contacto, colaboración, comunicación y correspondencia».
En las revistas ensambladas se aceptan materiales de muy diversa índole y procedencia: poemas visuales y discursivos, diagramas, miniobjetos, acetatos, fotomontajes, electrografías, linóleos, manifiestos, estampaciones, poemas-objeto, libros-objeto, sellos de artista, diaporamas, planchas metálicas, videopoesía, transferencias, grabados, collages, serigrafías, materiales envasados, fotografías, pequeñas esculturas, tarjetas en offset, cassettes de arte sonoro, etc., etc. Con todo, en más de un caso, se hace explícita referencia en las convocatorias de las revistas ensambladas que no se incluirán fotocopias en B/N sin más, como es el caso de la londinense Bric à brac (un singular caso de assembling magazine, pues por su coordinación han pasado varios editores, como Joe Decie, Michael Leigh o Pat Collins). Otras publicaciones, por el contrario, sólo se abastecen de fotocopias, como The International Society of Copier Artists Quarterly, realizada en Brooklyn por Louise Neaderland y en la que han llegado a participar estudiantes de las Escuelas de Arte neoyorquinas. Existe también, en España, un caso de una revista ensamblada puesta en marcha en un ámbito estudiantil: las cajas ANCA, promovidas por el artista multidisciplinar Bartolomé Ferrando en la Facultad de Bellas Artes de Valencia.
Las revistas ensambladas no buscan sólo el embalaje de piezas dispares, imposibles de reunir, por sus dimensiones o particularidades físicas, en los continentes-tipo tradicionales, sino también que las piezas que los propios autores facilitan a los editores o coordinadores aspiren a redifinir conceptos como novedad, irreproducibilidad o imaginación creativa, ya que un mismo autor puede facilitar no meras reproducciones semejantes de su obra sin intervención diferenciadora, que sí que se dan también, sino obras completamente originales, cada una de la serie distinta de las otras.
Los formatos o contenedores son muy variables, y no sólo de una publicación a otra, sino incluso de un número a otro dentro de la misma revista ensamblada: eligen en unas ocasiones bolsas de plástico (Mani Art); en otras, carpetas más o menos troqueladas (Píntalo de Verde, UNI/vers(;), El Paraíso). Otras veces, se deciden por cajas de diferentes dimensiones: S.T. Libro Objeto ha utilizado cajas artesanales y encuadernadas, hechas a medida y ex professo; La Nevera reunía sus colaboraciones en cajas troqueladas que imitaban las del reparto de pizza a domicilio; Nicotina (dirigida por Julián Alonso desde Palencia) aprovechaba cajetillas de cigarrillos; Metamorphosis (coordinada en Barakaldo por José Blanco) emplea cajas de cartón recicladas; Caja de Truenos (editada por el Colectivo Alcandoria bajo la advocación de Antonio Gómez) ha aparecido trimestralmente como un estuche de vídeo VHS. El mismo colectivo colabora en K�psula, proyecto del Archivo Gráfico Gómez-Aguayo, que se edita anualmente desde 1999 tomando como embalaje pitilleras de alpaca, y que tiene la particularidad de que su numeración no sigue la esperable: publica números enteros (1,2,3) y medios (1�5, 2�5, 3�5); los enteros son números de participación colectiva, y los medios están dedicados a un autor individual, siendo ambos formatos diferentes. Esta singularidad en la numeración la comparte también Píntalo de Verde, que tuvo numeración ascendente hasta la entrega 100, a partir de cuyo número la aplicación fue en régimen descendente (-99, -98, -97). En otras ocasiones, las obras se encartan en sobres (Multipostais, Sorpresa); en otros casos optan por una encuadernación manual o más tradiccional en formato postal, A-4 ó A-5 (7 Formes, Obskuritas, 1 von 20). Algunas varían de continente de un número a otro: Container ha ensamblado sus contenidos en archivadores de cartón, o cajas de madera y latón; Copy-left embala sus contribuciones de pequeño tamaño en bolsas de pipas, calcetines o simplemente atadas con fajillas diversas; La más bellísima ha usado fiambreras o taper-wares.
Aunque se hagan monográficos, la temática de los diferentes números de las revistas ensambladas no suele imponerse, aunque algunas sí que lo comuniquen a sus potenciales colaboradores, como es el caso de PIPS, revista que se hace en Bonn bajo los auspicios de Claudia Pütz y la Dadá Corporation, y que lanzó en el año 2000 sus tres números con los siguientes temas: �Frankestein�, �Tiempo-Máquina�, �Zodiaco�; la revista ensamblada Edition YE (coordinada por Theo Breuer en Sistig/Eifel desde 1993) solicitó, por ejemplo, para su número de 1999 obras que abordaran el asunto del arte y el artista ante el fin del milenio; S.T. Libro Objeto dedicó números a temas como: �Azul�, �La noche� o �El cuento�. Otras revistas siguen en los temas el orden alfabético: el nº 1 tiene como asunto una palabra que comience por la primera letra del abecedario, y así sucesivamente.
Los artistas se involucran en el espíritu de los proyectos en los que participan al suministrar, sin intermediación o censura posible, todas las obras de su autoría que van a encartarse en cada uno de los ejemplares que van a tirarse del número en cuestión. Así pues, la tirada de las revistas ensambladas experimentales tiene que ser reducida, ya que no se le puede exigir a un creador que realice, manualmente, un número desproporcionado de obras suyas para un solo número, por lo que esto le supondría de agotamiento y riesgo mecanicista. En un principio, los autores actuaban por propia iniciativa, enviando a las publicaciones sus obras, siguiendo las directrices propiamente mail-artistas, pero últimamente están proliferando publicaciones que se mueven por invitación, con lo que no todos los autores que quieran participar en dichos proyectos son admitidos de buenas a primeras sin más, tal y como se vino haciendo hasta finales de los años 90.
Las tiradas de las revistas ensambladas no son uniformes y oscilan entre los 20-30 y los más de 300 originales. El número de ejemplares que producen las revistas ensambladas no es exactamente proporcional al de autores incluidos, de forma que las revistas que tiran unos 20 ejemplares, albergan aproximadamente a unos 15-16 autores/obra. Limitados a una emisión de 20 ejemplares tenemos a zines como los alemanes El Mail Tao (de Karl-Friedrich Hacker), 1 von 20 (coordinada en Büchholz por Jörg Seifert y que finalizó su andadura en el año 2000 tras 38 números) y Spinne (lanzada por Dirk Fröhlich desde Dresden), la inglesa 191 (editada por Dadá Planet en Derby), o la danesa Cardmaker/Postkortet. Y de ahí a las tiradas de 75 ejemplares de Stampzine (San Francisco); de 100 de Art/Life y UNI/vers(;); de 125 de The I.S.C.A. Quarterly; de 150 de Arte Postale; o de 500 y 325 de Container, realizada con esmero y exquisito gusto por artistas-profesores de la Escuela de Arte de Granada; o las 315 piezas que a cada autor solicita Veneno (dirigida en Bilbao por Francisco Aliseda). Existen, no obstante, revistas ensambladas que no le dan mucho trabajo al artista experimental, como fueron los casos de 7 Formes y Sorpresa, coordinadas en Barcelona por Sergi Quiñonero y Abel Figueras, y que pedían 8 y 10 ejemplares, respectivamente. Muchos proyectos, por lo general, se quedan a medio camino, y exigen entre 50 y 70 obras, como ocurre con la francesa Mani Art (que hace en Grandfresnoy Pascal Lenoir), la brasileña Multipostais (dirigida por Paulo Bruscky), la madrileña S.T. Libro Objeto (dirigida por Almudena Mora y Jesús Gironés) o la estadounidense Tensetendoned. Una revista ensamblada como PIPS adapta su tirada al año en que salen: en 1999 pedían a los colaboradores 99 ejemplares, y 100 en el año 2000.
Las tirada resultante suele distribuirse, además de una pequeña cantidad para la venta (algunas revistas ensambladas ofertan la posibilidad de la suscripción), entre los participantes en el número en cuestión (un assembling magazine por autor) y el intercambio con otros artistas/publicaciones, así como el depósito en grandes centros museísticos y bibliotecarios. Queda claro que desde presupuestos coleccionadores, una tirada reducida incrementa el valor de esta clase de revistas. Sin ir más lejos, los 35 números de UNI/vers(;), la ejemplar revista ensamblada que G. Deisler dirigió en en su exilio alemán entre 1987 y 1995, año de su muerte, se conservan, por ejemplo, en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York y en la Biblioteca Nacional de París; la californiana Art/Life la colecciona nada menos que el Guggenheim norteamericano y Píntalo de Verde tiene un ejemplar de cada número editado en la Biblioteca Regional de Extremadura.
La periodicidad no es ni mucho menos uniforme entre las diversas revistas ensambladas, ni siquiera en el historial propio de algunas, que han modificado su salida por causas múltiples: las carpetas El Paraíso (Pola de Laviana, Asturias), en sus diez años de andadura, ha aparecido mensualmente, bimestralmente y trimestralmente, sin que tal cambio de periodicidad haya estado motivado por razones de fuerza mayor. Mani Art pretende una salida mensual y PIPS sale tres veces al año, al igual que hizo Caja de Truenos; por su lado, publicaciones como la australiana Field Study, la canadiense Reparation de Poesie, la toledana Piedra Lunar (editada por Corpá desde Bargas entre 1984 y 1995) y La Nevera (editada en Madrid por el colectivo Tanto de Tanto) son o eran anuales, frente a la mayoría de las revistas ensambladas que eligen la irregularidad como fórmula más idónea.
La vida de algunas de las revistas ensambladas más emblemáticas hablan sin fisuras, por sí mismas, de la eficacia y vigencia del procedimiento: Mani Art ha superado los 130 números, Píntalo de Verde va por los 152, Copy-Left (Zürich) ha sobrepasado los 169 y Art/Life ha hecho más de 180. Otras revistas ensambladas no se han distinguido por su longevidad: de Vaquita Pictures (Cuenca) se hicieron sólo dos números y la italiana Portfolio no pasó del número 1, como le ha sucedido al proyecto de Julián Alonso Señales de humo. Excepcionalmente, algunas revistas ensambladas tienen su período vital limitado, como es el caso de Píntalo de Verde, que dejará de salir cuando llegue a su número -0 (actualmente va por el �48).
Alguna de las que hoy día cuentan como revistas ensambladas por puro derecho, como es el caso de Veneno, empezaron dedicándose a otros fines para reconvertirse en 1999 en assembling magazine. También se da el caso contrario, que una revista ensamblada acabe transformándose, y no albergando obras estrictamente originales, como ha sido el caso de Arte Postale, creada en octubre de 1979 por el mail-artista italiano Vittore Baroni y que durante 50 números, hasta octubre de 1984, se compuso «raccogliendo lavori originali di partecipanti da tuttto il mondo», como leemos en una hoja volandera de 1989. Una publicación que no siéndolo se convirtió momentáneamente en algo parecido a una revista ensamblada, fue la madrileña Koine, que hizo en 1988 un número dedicado a poesía postal y al año siguiente sacó otro, el nº 14, de iguales características bajo el epígrafe «Objetos & poesía».
Muchos, incontables, son asimismo los creadores que han dado su parabién a las revistas ensambladas: Edition YE ha acogido a 270 creadores de 27 países; por Tensetendoned han pasado más de 340 creadores procedentes de 43 países; por The I.S.C.A. Quarterly más del millar y por Píntalo de Verde han desfilado 554 autores de 39 países.
La riqueza de códigos y lenguajes expresivos encerrados en las numerosísimas revistas ensambladas que pueblan el universo experimental ha dado pie, como no podía ser de otro modo, a la celebración de exposiciones, tal fue el caso de la comisariada en 1996 por Stephen Perkins en la Galería Subspace (Iwoa, USA), a la que seguiría un año después otra en la Universidad de Pennsylvania en la que se expusieron los assembling magazines del Archivo de Poesía Concreta y Visual de Ruth & Marvin Sackner.
En Europa una de las primeras revistas ensambladas fue la italiana Geiger, que entre 1967 y 1982 promovieron Maurizio y Adriano Spatola, y que tenía una tirada aproximada de 300 ejemplares. En España, las revistas ensambladas más precoces de las que tenemos constancia las puso en marcha el artista catalán Josep Manuel Calleja, que lanzó en 1981 dos carpetas rotuladas Teoría 81 y 3x3=3, y al año siguiente la revista ensamblada C.A.P.S.A., que tenía el formato de una caja octogonal troquelada y que como tal duraría unos tres números.
Además de las citadas a lo largo de esta intervención, de las muchas revistas ensambladas que retan diariamente a los convencionalismos en los cinco continentes, no estaría de más recordar a proyectos como la japonesa Brain cell (coordinada en Osaka por R. Cohen), las holandesas Artbrain (Amsterdam) y Nols (de Magda Lagerwerf); la finesa Brio Cell (de Jukka Lehmus); la alemana Herbarium (promovida por Hans Hess); las realizadas en Porto por César Figueiredo; las estadounidenses Level, The Quiet Sheet, o @rth*le; la australiana Polartis 2000; la belga Pazuzu�s Paper; las francesas Dump Zone y Pogue Mahone; la búlgara SVEP (de Vesselin Sarieff); la griega Einai Aypio; las asturianas Mondragón y La Ruta del Sentido; las carpetas valencianas Col.lecció d�art postal; la catalana Fíjate; la inglesa Orange Cell; las italianas Di segni di sogni (hecha en Milán por Claudio Jaccarino), SSSSSS! (coordinada en Dogato por Bruno Capatti), Copy Book (de Lamberto Lambi), Fuck (dirigida por Vittorio Baccelli), Original Art Magazine, Oferta Speciale (de Carla Bertola y Alberto Vitacchio), Tracce (Bari) o Sign Post (de S. Luigetti), etc. Las últimas en sumarse al mundo del ensamblaje de las que tengo constancia han sido los Cuadernos del Sistema Solar (Cuenca) y ARTchivo, impulsada por Fernando Millán, y acabantes ambas de alumbrarse; o las carpetas Cancionero Visual, puestas en funcionamiento por la asociación alavesa ARTeragin y todavía en período de gestación. Por último, se hace necesario señalar el caso de publicaciones que sin ser in sensu strictu una revista ensamblada, incorporan en cada ejemplar elementos matéricos originales que las apartan de las revistas estandarizadas al uso y las aproximan, en cierto modo, al terreno fronterizo y mestizo del producto plural que hoy por hoy representan las revistas ensambladas.

11 junio 2008
Fuente del articulo: cortesia de MERZ MAIL

3º Festival FLUX de video de autor

En Barcelona, en Caixa Forum entre el 27 y 29 de noviembre se celebra el tercer ciclo de video de autor, el festival FLUX, que proviene de las memorables sesiones de los martes en Sidecar a cargo de 3G3. La programación de 2008 dará un repaso a Xavier Gavin, a siempre incomodo Joan eandre, a la dúctil Esther Xargay y el ecléctico Joan López Lloret. Como siempre, el colofón: un autorretrato por encargo, presentado con un coloquio el dia de la inauguración; Reflux, vídeo a la carta, y Influx, actuaciones en directo, videoconcierto de Convolution + Núria Antentas + Josep M. Jordana y el teatro visual de Playground. Un espacio para las reuniones amenas y la inspiración. Más info aquí.

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En la ciudad de las flores y del azahar

Una de las peculiaridades de los valencianos es que les gusta mucho salir con los amigos, ir de copas. Y eso menoscaba su vida interior, su pensar, reflexionar.

Salir a las calles, a los bares, departir, relacionarse es muy valenciano pero un paso más allá del ocio frivolero se percibe la grave ausencia de elementos dinamizadores, sean gestores culturales, activistas de las artes, incluso intelectuales de la tierra que levanten un palmo del suelo de los temas falleros y provincianos mas socorridos por estos lares.

Se echa de menos esas personalidades que aúnen ideas, que arrastren a los indecisos y a ciertas minorías a dinámicas de actuación y eso como no tambien tiene algo que ver con el pasotismo político, la endogamia o el mero enriquecimiento personal.

A los valencianos --salvo honrosas excepciones-- se les puede achacar de mansos, de no tener alturas de miras, no tienen opiniones propios y escaso criterio y menos aún el necesario espíritu critico.

Una muestra que me vine al pelo sería el acto de presentación la otra noche de la revista "independiente" Bostezo, ellos han preparado el evento, han convocado a lo mas nutrido de lo alternativo, han puesto un vídeo, se han sentado en la tarima tras la mesa y han dicho lo justo para justificar el acto y ya está…sin entusiasmo ni sorpresas, sin ideas claras para debatir. He tenido que intervenir yo mismo para provocar y animar un tanto el acto que se estaba volviendo tedioso (quizas solo estaban haciendo tiempo para emborracharse), eso da pistas del bajo nivel de reflexión y de ánimo que impulsan a los proyectos valencianos y al escaso nivel de su población civil menor de 40 años.

Fmk

Nov.2008

Video de Presentación del nº 1 de la REVISTA BOSTEZO en el MUVIM y posterior fiesta en El Dorado MAE.
22 noviembre 2008

Presentacion de la revista BOSTEZO por PluraliaTV

Bostezo en El Dorado MAE

Los cuadros de Eddie J. Bermudez luciendo en el Dorado entre las chicas "Bostezo"

Hector Arnau "Eraserhead"
Hector Arnau y mamadou

Bostezo al desnudo

La revista Bostezo se presentó por fin en el MUVIM el pasado día 22, con gran éxito de publico y critica (que se suele decir), el sitio estaba a rebosar, (creo que los primeros sorprendidos eran ellos mismos), y parece ser que por fin, esta ciudad de fallas y eventos de hormigón comienza a reviscolar, otro síntoma más de cierta inquietud en el mundo cultural. David Barberá (redactor jefe) en su breve alocución sentenció: “Bostezo no tiene nada que perder”… porque ya nació perdida (añade Walter Buscarini, el jefe). Todo lo que sobreviva a partir de ahora es ganancia. Y así debe de ser, no hace falta ser un lince para darse cuenta que estos intrépidos editores y aventureros lo tienen difícil para hacerse un hueco entre la debacle que se cierne sobre las publicaciones en papel, por eso doble apoyo y ojalá les salga bien su apuesta por sacar las mascaras y los colores a esta sociedad que vive en el bostezo (¿a ver si el nombre –enigmático donde los haya--, es una clave secreta, que sirve de enganche a una generación perdida?).
Por otra parte, como es sabido por quienes me conocen, me gusta (de Bostezo) más el fondo que la forma, un fondo de armario de gran calidad, yo destacaría (es pura opinión subjetiva) los textos de Echevarria, Guillermo López, Paco Inclan y Pablo Santiago, pero el dossier llamado “la información como sospecha” apenas tiene desperdicio y marcan unos modos con finura e inteligencia escasos en nuestros días y por estos lares que auguran que darán guerra por un tiempo, que tienen ideas, ganas y material escrito en reserva para varios números. Por muchos años…bostezos.
Félix Menkar
Atención al cliente y venta directa (of course)

David, Laura, Paco y Pablo Santiago

Esther Ferrer, Premio Nacional de Artes Plásticas

La artista de performance donostiarra recibe el galardón por su influencia pedagógic

Madrid. (EFE).- La artista de performance donostiarra Esther Ferrer (1937) ha ganado el Premio Nacional de Artes Plásticas, que concede anualmente el Ministerio de Cultura, dotado con 30.000 euros, por su "relevante trayectoria", su influencia pedagógica en las generaciones más jóvenes y su peso internacional.
Esther Ferrer, Premio Nacional de Artes Plásticas


Su fidelidad al campo de la performance "ha tenido especial incidencia en generaciones más jóvenes a partir de su actividad pedagógica", señala el fallo del jurado, que ha valorado también la "continuada presencia" de la artista en el contexto internacional.

La artista ha declarado no sabe si será "capaz de hacer honor" al Premio, porque, dice, es "mucha responsabilidad", aunque esta "anarquista" que no tiene "ni dios ni patria", espera que el jurado haya creído que "lo mismo" sí se lo merecía.

Esta artista, que ha sido miembro de dos grupos de especial influjo en el arte plástico contemporáneo, ZAJ y Fluxus, ha tenido como actividad fundamental las performances o el arte de la acción, que ella define como "un híbrido en las artes plásticas", pero también es autora de un trabajo que expone regularmente. Así, está preparando para una exposición en París un trabajo del que no quiere dar ningún detalle porque "a lo mejor" le da un giro de 180 grados, y en los próximos días participará en una colectiva en Bilbao.

En cualquier caso, en esos, como en todos sus trabajos, recurrirá a su preocupación por el tiempo, el espacio y la presencia humana, habitualmente la suya propia.

De su paso por ZAJ, el grupo que nació como un movimiento musical en 1964 de la mano de los compositores Juan Hidalgo y Ramón Barce pero que dio cabida a todo tipo de artistas, cree que "algo queda" en el campo de la performance, "aunque -asume- son tan leves sus rastros...".

ZAJ actuó en 1967 en un teatro de Madrid. Un intérprete se comió una manzana y no pasó nada más. El escándalo fue tal, que de las siete funciones previstas solo fue posible el estreno. Ese fue el momento en el que Ferrer se incorporó al grupo, una propuesta vanguardista heredera del dadaísmo y de Marcel Duchamp que conectaba con movimientos internacionales como los Fluxus.

El grupo ZAJ fue perdiendo por el camino componentes y en el 72 solo quedaban Hidalgo, Walter Marchetti y Ferrer, que siguieron juntos hasta 1996, el año en que el Museo Reina Sofía les dedicó una retrospectiva. "Ahora cada uno vamos por nuestro lado", reconoce la premiada, cuya mayor inquietud actual es "la angustia de esta situación tan ridícula que estamos viviendo y que nadie sabe de dónde ha venido", es decir, la crisis económica o financiera "o lo que sea".

"Alrededor mío -dice apenada- la gente está muy angustiada y preocupada y es horrible".

Ferrer, que creó a principios de los 60 junto al pintor José Antonio Sistiaga el primer Taller de Libre Expresión, ha reflejado su obra plástica en fotografías trabajadas, instalaciones o cuadros basados en series de números primos.

En 1999, Ferrer y Manolo Valdés representaron a España en la Bienal de Venecia, elegidos porque representaban desde opciones muy diferentes la oposición a la estética academicista franquista y al modernismo institucionalizado a partir de los 60.

Ferrer ha expuesto también su trabajo plástico en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, el Museo de Arte Contemporáneo de Roskilde-Musee for Samtidskunst (Dinamarca), y el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Además de participar en festivales artísticos prácticamente de todo el mundo, ha impartido numerosos cursillos en universidades y escuelas de Bellas Artes de España, Canadá, Francia, Suiza e Italia, entre otros países.

El Premio Nacional de Artes Plásticas se otorga como recompensa y reconocimiento a la labor de los galardonados, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el año anterior o, en casos excepcionales, como reconocimiento a una trayectoria profesional.

El jurado ha estado presidido por el director General de Bellas Artes y Bienes Culturales, y compuesto por José Jiménez, Manuel Borja-Villel, Gloria Picazo, Orlando Britto, Miguel Fernández-Cid, Juan Antonio Ramírez y el premiado del año pasado, Isidoro Valcárcel.




Noticia de El País

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Toda/performance/premio/elpepucul/20081122elpepicul_2/Tes

Entr' acte'

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Proyecto cinematográfico dadaísta, dirigido por René Clair en 1924, en el que participaron por pura amistad y complicidad Francis Picabia, Marcel Duchamp, Man Ray y un inspirado Erik Satie. Una obra de cine puro a años luz de cualquier regla preestablecida, la película rechaza la lógica narrativa habitual, según el propio Clair.

Entr'acte' 1924......dur. 20:07. Francia.

I CERTAMEN DE MICRORELATOS FOTOPOEMAS

Nuestra amiga, fotógrafa y poeta Jenni Arnau en un inesperado arrebato de lucidez lanza un quite y nos propone participar en el: I CERTAMEN DE MICRORELATOS FOTOPOEMAS, hay recompensa y es un reto, pues el microrelato debe estar relacionado con la imagen aquí expuesta, ánimo....a jugar(Título de la foto: Daily News Cariño)

ORGANIZO:
I CERTAMEN DE MICRORELATOS FOTOPOEMAS

Bases:

1. Pueden participar en el concurso todas aquellas personas que lo deseen sin importar edad, nacionalidad, etc.
2. El contenido del relato debe estar relacionado obligatoriamente con la imagen que aquí se expone y que lleva por título Daily news cariño, siendo esta la inspiración del relato.
3. El microrelato deberá estar escrito en lengua castellana y con una extensión máxima de 100 palabras.
4. El microrelato se enviará a través del correo electrónico.
5. ¿Cómo lo envío anónimamente? El autor accederá al correo concursofotopoemas@hotmail.com, a través de la contraseña concursofotopoemas. Enviará desde allí su microrelato y lo borrará inmediatamente después de la bandeja de enviados y de la papelera.
6. El plazo de entrega finalizará el día 30 de Noviembre y se dará a conocer al ganador el día 2 Diciembre a través de una entrada en la web en la que aparecerá su microrelato junto a la imagen.
7. Los microrelatos deben ser enviados a misfotopoemas@hotmail.com.
8. Se establece un único premio compuesto por:

- FOTOGRAFÍA DEL S. XX

- LOS PERROS ROMÁNTICOS, Roberto Bolaño,2006

(o similar en el caso de que no estuviese disponible en el momento de la compra)

Está claro que el premio es simbólico, tomadlo como un juego, participad!

Jenni Arnau

Bertrand Russell. El miedo y la religión

Bertrand Russell, filósofo ingles fallecido en 1970, una de las mentes más preclaras del siglo XX, muy critico con la religión y esperanzado en el desarrollo científico, se esforzó por sugerir una serie de medidas para evitar el enfrentamiento entre los hombres y la erradicación de las guerras en nuestro mundo. La mayor parte de ellas se referían a la creación de una conciencia mundial y planetaria y a la eliminación de nacionalismos separadores de los hombres, ideologías confrontadas y creencias religiosas exclusivistas. Hoy he rescatado unos fragmentos de su libro: "Por qué no soy cristiano?" un texto basado en una conferencia celebrada en 1927 y como podreis ver si os tomais la molestia de leerlo, muy vigente hoy.

El miedo, fundamento de la religión

La religión se basa, principalmente, a mi entender, en el miedo. Es en parte el miedo a lo desconocido, y en parte, como dije, el deseo de pensar que se tiene un hermano mayor que va a defenderlo a uno en todas sus cuitas y disputas. El miedo es la base de todo: el miedo de lo misterioso, el miedo de la derrota, el miedo de la muerte. El miedo es el padre de la crueldad y, por lo tanto, no es de extrañar que la crueldad y la religión vayan de la mano. Se debe a que el miedo es la base de estas dos cosas. En este mundo, podemos ahora comenzar a entender un poco las cosas y a dominarlas un poco con ayuda de la ciencia, que se ha abierto paso frente a la religión cristiana, frente a las iglesias, y frente a la oposición de todos los antiguos preceptos. La ciencia puede ayudarnos a librarnos de ese miedo cobarde en el cual la humanidad ha vivido durante tantas generaciones. La ciencia puede enseñarnos a no buscar ayudas imaginarias, a no inventar aliados celestiales, sino más bien a hacer con nuestros esfuerzos que este mundo sea un lugar habitable, en lugar de ser lo que han hecho de él las iglesias en todos estos siglos.

Lo que debemos hacer

Tenemos que mantenernos de pie y mirar al mundo a la cara: sus cosas buenas, sus cosas malas, sus bellezas y sus fealdades; ver el mundo tal cual es y no tener miedo de él. Conquistarlo mediante la inteligencia y no sólo sometiéndose al terror que emana de él. Todo el concepto de Dios es un concepto derivado del antiguo despotismo oriental. Es un concepto indigno de los hombres libres. Cuando se oye en la iglesia a la gente humillarse y proclamarse miserables pecadores, etc., parece algo despreciable e indigno de seres humanos que se respetan. Debemos mantenernos de pie y mirar al mundo a la cara. Tenemos que hacer el mundo lo mejor posible, y si no es tan bueno como deseamos, después de todo será mejor que lo que esos otros han hecho de él en todos estos siglos. Un mundo bueno necesita conocimiento, bondad y valor; no necesita el pesaroso anhelo del pasado, ni el aherrojamiento de la inteligencia libre mediante las palabras proferidas hace mucho por hombres ignorantes. Necesita un criterio sin temor y una inteligencia libre. Necesita la esperanza del futuro, no el mirar hacia un pasado muerto, que confiamos será superado por el futuro que nuestra inteligencia puede crear.

Bertrand Russell
Por qué no soy cristiano (cap. I)
Buenos Aires, Editorial Sudamericana, 13ª ed., 1979

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Imagen: No tengan miedo. Xavier Cortadas

La escritura mirada.
Una aproximación a la poesía experimental española
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La escritura mirada. Una aproximación a la poesía experimental españolaAlfono López GradolíISBN: 978-84-8359-043-0
2008. 20 €


La escritura mirada aborda una aproximación al concepto de poesía visual y resume la aparición, desarrollo y asentamiento de esta manifestación artística en España. Para ello se retrotrae a las vanguardias del primer tercio del pasado siglo, hoy ya consideradas clásicas: futurismo, surrealismo y dadaísmo. En una primera parte, el libro estudia las corrientes poéticas que han perdido o abandonado a la palabra como medio de comunicación; una poesía que, en la época de la cultura de la imagen, se erige como un arte fronterizo entre plástica y escritura. La segunda parte del libro, «Nueva escritura», se dedica a José Luis Castillejo, un originalísmo escritor, con una obra singularísima, creador de una escritura moderna. Vinculado al grupo zaj durante un tiempo, parte de su obra ha sido publicada en el extranjero, por lo que su figura no es conocida suficientemente entre nosotros. En algunos libros de Castillejo no aparecen palabras; a lo sumo, letras y, a veces, solamente signos. Su intención es conseguir una escritura escrita en vez de una escritura hablada, como la que actualmente ocupa toda la producción editorial.

El escritor valenciano Alfonso López Gradolí ha publicado varios libros de poemas entre los que destacan El sabor del sol (1968), Los instantes (1969), El aire sombrío (1975), Las señales de fuego (1985), Una sucesión de encuentros (1997) y Los signos de la soledad (2000), poemarios que se incluyeron en el volumen Los bosques de la memoria (Poesía 1968-2000) (Calambur, 2001). Posteriormente han aparecido Los días luminosos (2000) y Quizá conmigo y otros poemas (2006). En 2007 editó en Calambur Poesía visual española (Antología incompleta), una selección de cincuenta y siete autores entre los más prestigiosos de la poesía visual en España

Ciberfeminismo

Zehar / 2008

“La ciberfeminista es una mezcla única entre activista, ciberpunki, pensadora y artista”
Alex Galloway

“La política de los cyborgs es la lucha por el lenguaje y contra la comunicación perfecta, contra el código único que traduce a la perfección todos los significados”
Donna Haraway

En 1997, un grupo de mujeres firmaron en la Documenta de Kassel un texto titulado las“100 anti-tesis del ciberfeminismo” con el que reivindicaban la fuerza de la ironía como arma de intervención política radical. “El ciberfeminismo no es una fragancia, no es una pipa, no es un fake, no es genético, no tiene sólo un lenguaje…”. Como artefacto de des-re-codificación, el ciberfeminismo se formula pues, voluntariamente, desde la parodia y el territorio del mito: una historia de origen inidentificable, contada una y mil veces, que niega la primacía de una única versión sobre las demás. Y así, se convierte en un buen lugar para pensarnos, indeterminado y fluctuante, que cobra sentido por la acumulación de prácticas dispares que, desde el arte, la filosofía o la acción social han ido escribiendo las muchas micro-historias de las que se compone. Ninguna más auténtica que las demás pero todas igualmente válidas y cohesionadas en torno a una constatación, susceptible de muchas declinaciones: la dimensión profundamente política de la tecnología.

La web 2.0 ha cambiado nuestra manera de relacionarnos, de producir y consumir información, de adquirir y propagar conocimiento. Y uno de los fenómenos que más ha despertado las fantasías feministas de emancipación digital ha sido, lógicamente, el de la blogosfera, de la que nos hemos apropiado con voracidad para compartir experiencias, crearnos redes de apoyo mutuo, visibilizarnos unas a otras y, sobre todo, soñar con la posibilidad de una revolución que siempre nos decepciona. No es cierto que en el cerebro colectivo haya sitio para todo el mundo. Cuando la libertad de expresión convive, como ahora, con una suplantación de la vida pública por formas más o menos atractivas de exhibicionismo hiper-real, es sólo una estrategia de despiste.

l espacio digital no existe en el vacío. Por el contrario, se halla íntimamente intrincado en instituciones socio-políticas excluyentes para todos aquellos que no entramos en la categoría de lo neutro -hombre, blanco, occidental- y en valores atávicamente patriarcales como la competitividad, el mito de progreso o el sometimiento del entorno en todas sus formas, humano o natural.

¿Cuál es la posición real de las mujeres y los hombres reales en el sistema de producción de la economía informacional? ¿Qué papel nos toca a los otros (mujer, bollera, niño, negra, sin papeles), históricamente excluidos de la producción de discurso, en eso que llamamos sociedad del conocimiento? ¿Cómo puede ser viable un proyecto de emancipación política radical -entendiendo política como algo que tiene que ver con los asuntos comunes- en un entorno fracturado y sometido a vigilancia en el que se desmantelan sistemáticamente las zonas sociales autónomas, las únicas en las que podrían formularse códigos capaces de dar cobijo a la alteridad?

El lugar natural del ciberfeminismo no puede ser otro que el de la tecno-política. Una tecno-política comprometida con el cuestionamiento de todos los códigos de realidad -informáticos, sexuales, afectivos, identitarios pero también sociales, macro/económicos y geo/políticos- que nos convoque a reflexionar colectivamente sobre el patriarcado como modelo histórico de organización social y su transformación contemporánea en el capitalismo tardío. No quisiera creer, como dice con humor Christine Tamblyn, que digital sea sólo “otro nombre para ir de compras”.

“Chúpame el código” es una frase sacada del “Manifiesto de la zorra mutante” de VNS MATRIX. Casi todas las referencias de este texto pueden encontrarse en la selección de textos ciberfeministas dehttp://www.estudiosonline.net/.

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Publicado originalmente en Zehar 62 (2008).