23/12/07

¿Por qué me gusta (pese a ser tan complicada) Caótica Ana, de Julio Medem?

Vamos a ver, la última película de Julio Medem (el director de Lucia y el sexo, entre otras y del que soy un defensor acérrimo) es desde luego excesiva, infumable que dirían algunos. Los críticos la han puesto a parir y el público ejem, apenas la ha apoyado pese al despliegue de medios y a la expectación que había debemos reconocer que ha pinchado, aunque eso sí, ha recibido algunos premios por ahí. De lo que estoy completamente seguro, como ocurre en la mayoría de películas de Medem es que se convertirá en una cinta de culto.

La historia es absurda, confusa, fragmentada, inverosímil (¿no nos recuerdan estos calificativos como aspectos de la realidad actual que podríamos aplicar a otras esferas cotidianas?; ese es el quid del asunto: trasciende el habitual lenguaje cinematográfico. Se trata de un juego entre realidad y creación. Un juego peligroso que la mayoría de las veces se queda asfixiado por otras praxis y que plantea la crítica social mediante el arte, tan denostada hoy en día por la mayoría de los artistas del mercado, que solo están interesados en las galerías y en vender mucho en Arco.

El tema central, la muerte y la osadía esotérica de la reencarnación (mas poética que religiosa) dejan al espectador fuera de juego y en la cuenta atrás(ahí abandona la mayoría, se les rompen los esquemas). Lo mejor –a mi modo de ver—de Caótica Ana, son Medem como ideador y Manuela Vallés (Ana), y en el lenguaje los fantasmas estéticos de Medem (para mi muy evocadores) girando alrededor de las pinturas de su hermana muerta y de la naturaleza salvaje, mágica. Sigue en su línea de reivindicación de los pueblos indígenas, originarios de nuestros planeta y ahí la crítica mas feroz la intrepidez del acto inútil de resistencia, el sufrimiento de la mujer en todas sus facetas de ultraje, denigración, violación y asesinato desde los albores de los tiempos reencarnada en Ana que defeca literalmente encima del secretario de la guerra americano, como un acto inútil, pero artística y poéticamente valioso y simbólicamente efectivo. No es necesario matarle, entrar en su dinámica destructora, Ana tiene la eternidad, es un pájaro libre, es la luz pisoteada y ofuscada ¿Por qué tendría que hundirse en el fango del lado oscuro, del mal?

El espectador típico, el crítico erudito huyen despavoridos ante lo absurdo e insólito del discurso narrativo, áspero y difícil: Valoran la poesía, el trabajo de dirección y a los actores (esplendidos) pero no llegan a la profundidad de los planteamientos de Medem. Por eso aunque reconocen que hay talento lo desacreditan como una obra fallida, en fin comercialmente y como producto de mercado por supuesto que lo es, pero estoy seguro que no son las cosas que más interesan a Julio Medem.

P.D.: Me ha emocionado hace algunos días la defensa de Emma Cohen a la película y la andanada contra la pasmosa “Academia del cine español” y sus premios Goya, quizás sería mejor llamarles “premios Mortadelo”, mas dedicados al mercado y a la industria que a lo artístico.

Algunos comentarios encontrados por ahí:

--“La película de Meden te invita a traspasar multitud de puertas multicolores que preceden infinidad de recorridos mágicos, sendas por la que sólo pueden caminar mujeres, putas, mitos, diosas y brujas, ellas, las poseedoras del don de engendrar a los hombres buenos que alguna vez cambiaran el rumbo de la vida, y Ana es la más moderna de sus representaciones.”
Del foro de “Escuela de letras”

--Tiene muchos factores a su favor: impresionante fotografía, sobrecogedoras imágenes, preciosa banda sonora y un par de actrices, Bebe y sobre todo Manuela Vellés, en estado de gracia. La premisa de la que parte la cinta es muy interesante y original, pero hay algo que falla en esta pelicula. Bajo mi punto de vista, es demasiado excesiva, un tanto pretenciosa y el ritmo cae en picado constantemente (el juego de la cuenta atrás, es insufrible).
En definitva me ha parecido muy soporífera, pero lo que si es cierto es que si se contrasta el mensaje final de la pelicula, con la experiencia de la que partió Medem para llevarla a cabo (la muerte de su hermana), es inevitable emocionarse un poco, y agradecerle al director habernos hecho partícipes de su experiencia personal, que va desde la desolación y desesperanza, hasta la catársis pura y dura.
Del blogdecine

--Hacía mucho tiempo que una película no me hacía pensar, pero pensar de verdad, sobre el sentido de la vida, de nuestros actos, de nuestra propia existencia, y CAOTICA ANA lo ha conseguido.
El film es del todo desconcertante, te encuentras sumido sin preaviso en un universo aparentemente superficial, muy "de hoy", pero conforme se desarrolla la historia te das cuenta que hay profundidad, compleja, oscura y caótica que lleva a un orden vital que solo se desvela al final del film. La historia está contada linealmente, enumerando 10 momentos (a modo de cuenta atrás) clave en la vida de Ana que la hacen avanzar, crecer, comprenderse y descubrirse interiormente, la protagonista va engarzando cosas al mismo tiempo que el espectador, con cada puerta que se abre para responder una interrogante aparece otra, algunas dan miedo, otras son alegres, muchas inquietantes, todas únicas.
Ana está dotada de fuerzas tan contrapuestas que la hacen una mujer extrema y compleja, con una diferencia muy marcada entre la apariencia y el fondo, entre lo visible y lo invisible. Esa es la fuerza del personaje, ese es el hilo de la historia.
Jesús Quero.

--Critica de un miembro del aula de cine de Sevilla: http://cine.etsas.org/?p=9

22/12/07

EMPIRE. Michael Hardt y Antonio Negri.

--fragmento--

«En la postmodernización de la economía global, la creación de riqueza se dirige cada vez más hacia lo que llamaremos producción biopolítica, la producción de la propia vida social, en la que lo económico, lo político y lo cultural se superponen de forma creciente... Nuestra tarea política... no es sencillamente resistirnos a estos procesos, sino reorganizarlos y redirigirlos hacia nuevos fines. Las fuerzas creativas de la multitud que sostienen el Imperio también son capaces de construir autónomamente un contra-Imperio, una organización política alternativa de los flujos e intercambios globales. Las luchas para contestar y subvertir el Imperio, como aquellas que construyen una alternativa real, tendrán así lugar en el terreno imperial mismo: en efecto, tales nuevas luchas han comenzado ya a emerger. Mediante estas luchas y muchas otras semejantes, la multitud tendrá que inventar nuevas formas democráticas y un nuevo poder constituyente que un día nos llevará a través y más allá del Imperio».
 (Michael Hardt y Antonio Negri, Empire, 2000).

20/12/07

Accidents Polipoètics en Slam Poetry ROMA




Accidents Polipoètics se proclamaron vencedores del Slam Poetry de Roma, organizado por el festival Romapoesia dentro de las Noches Blancas de la capital italiana. El evento se celebró en el teatro Palladium, el sábado 8 de septiembre de 2007, con masiva presencia de público.
Teatro Palladium de Roma

A petición de Domenico, que asistió al Slam y que nos ha escrito un amable comentario, publicamos uno de los dos poemas que leimos para la ocasión:

ESTO NO ES UN POEMA DE AMOR 

Las letras del televisor, el recibo de la luz,
los pantalones de pana, el colegio de los niños,
doce cajas de condones, el sofá y los dos sillones,
la contribución urbana, empapelar el pasillo,
reparar la pianola, doce tiestos de geranios,
el recibo de la luz, la factura del teléfono.
No me digas que me quieres,
¿Quién puso esa conferencia a Australia?

El regalo de tu madre, pasar por el tinte,
doce quilos de patatas, unos zapatos de cuero,
la declaración de la renta, el gato de porcelana,
llamar al fontanero, reparar las goteras,
el ingreso de la nómina, cambiar la tapicería,
pedir hora al odontólogo, hoy no se ha hecho la cama.
No me digas que me quieres,
Hoy no se ha hecho la cama.

Todos esos papeles, no hay ni un libro en su sitio,
hay una mancha en mi traje, no me cosiste la manga,
no encuentro las zapatillas, dile a tu hijo que calle,
hoy no me siento con fuerzas, no queda papel de water,
no queda papel de water.
No me digas que me quieres,
no queda papel de water.

E Esto es un poema
S de amor masticable.
T Esto es un poema
R de amor bailable.
I Esto es un poema
B de amor recambiable.
I Esto es un poema
L de amor intercambiable.
L Esto es un poema
O de amor retornable

15/12/07

Artistas contra el arte. Domingo Mestre


II Foro Social de las Artes

(“TEXTOS PARA LA REFLEXIÓN Y EL DEBATE”)

Valencia 2003-2004

ARTISTAS CONTRA EL ARTE
Domingo Mestre

El ARTE es una construcción de la HISTORIA (de las artes). Al abrigo de esta visión historicista de las prácticas estéticas surge el mito moderno del artista genial. Una romántica fabulación que si permanece vigente todavía, a pesar de los muchos esfuerzos que los propios artistas han hecho durante el último siglo para desterrarla, sólo puede ser porque resulta imprescindible para sostener otras mitificaciones paralelas. Algunas tan aberrantes como la que confunde, nada desinteresada-mente, el valor de uso de las artes –el goce estético y la utilidad simbólica que nos proporcionan– con su mero valor de cambio –su cotización a precio de mercado. Mistificaciones que, incompren-siblemente, siguen teniendo público (e incondicionales proveedores)  a pesar de que ya nadie crea que exista la HISTORIA como meta relato sino, a lo sumo, una acumulación de historias con minúscula que se influyen mutuamente en su coexistencia marcando una errática deriva imprevisible por definición.
En el extremo opuesto a esta visión idealizada de las artes se encuentra la de algunos antropólogos y paleontólogos que centrándose en la función social del simbolismo consideran la aparición de las artes como un auténtico hito evolutivo –equivalente al del descubrimiento del fuego– que habría jugado un papel decisivo en la supervivencia del Homo sapiens frente a otras especies coetáneas que se extinguieron como el Homo neandertha-lensis.
Así pues, mientras la versión trascendente del ARTE se derrumba conceptualmente, aunque se sostenga en la práctica por la inercia del espectáculo y por la presión de los intereses creados en torno a ella, cobra cada vez más fuerza una perspectiva no fundamentalista de lo artístico, bastante cercana a la mirada antropológica, que entiende el valor de las artes exclusivamente a partir de la calidad de las experiencias que proporcionan o del valor social que puntualmente desempeñan. Y es esta higiénica falta de fe en los grandes relatos la que permite la actual convivencia de estilos y tendencias artísticas por mucho que alguna autoridad local como Cosme de Barañano, actual director del IVAM, siga defendiendo anacrónicamente la existencia de los “genios” y tasando a los
artistas como si fueran atletas a la búsqueda de medallas: “en el arte, como en el deporte, sólo llegan los tres primeros”.
Absolutamente desinteresados por esta artificial competitividad que sólo busca la grandilocuencia del ESPECTÁCULO, son cada vez más los artistas que se desentienden del ARTE para no escuchar semejantes tonterías. Y los poetas que prefieren disfrutar jugando con las palabras a medrar pateándose despachos y editoriales. Profesionales de todas las artes que, entendiéndolas como una necesidad social primaria, se niegan a asumir papel estelar alguno porque consideran que la ética es un componente fundamental de la estética. Son auténticos artistas desconocidos –orgullosos de serlo– porque “trabajan con lo más pequeño, no para hacerlo más grande sino para articularlo”; gente que está utilizando las artes para “aprender a escuchar” y, a partir de ellas,
“(re)abrir espacios que no tengan remedio”. Su dinámica es la de “imaginar redes imposibles” y, para intentarlo, algunos de ellos van a reunirse en el  II Fòrum Social de les Arts que, organizado sin subvención alguna, se celebrará en Valencia desde el 21 de marzo hasta el 12 de abril. La programación se encuentra disponible en www.forosocialartesvalencia.com y se rumo-rea que Consuelo Ciscar no asistirá a la inauguración.

* United artists from the Museum

10/12/07

Stockhausen

Hace unos días falleció Karlheinz Stockhausen,
Durante 50 años, Stockhausen fue un gigante del mundo de la música clásica: iconoclasta, innovador, y a menudo polémico, conocido por rechazar las formas y los límites convencionales y por experimentar con la música electrónica.
Más allá de las fronteras de la música clásica y la contemporánea tuvo una gran influencia en otros . artistas como Björk , los Beatles, Kraftwerk, Pink Floyd , Brian Eno, Frank Zappa, Miles Davis y David Bowie que admiraron al músico y reconocieron la novedad de sus trabajos.
Nació en 1928 en Mödrath (Alemania), se le considera el padre de la música electrónica, influenciado por Anton Webern y por la estética marxista de Adorno y por los compositores Leibowitz  y Varese.
En el año 2000 asistió en Barcelona al festival SONAR (ver articulo).
Su divisa era: la música como forma de conocimiento, nunca como ensoñación que nos aleje de la realidad.
"No me interesa la expresión. Lo que hoy cuenta de verdad es que la música consiga representar una revolución del espíritu, como si de una nueva ciencia se tratara"  K.S.

 Strahlen

El título del trabajo sugiere una impresión de radiación abrumadora. La idea central de la composición son cinco capas simultaneas en ‘tempos’ diversos el acodar simultáneo de cinco diversos tempos. Éstos se eligen en varias combinaciones de escalas de siete tempos metronomicos: 30, 40, 53.5, 71, 95, 134, y 180 por minuto.

8/12/07

Radio Nikosia -- Locura muy creativa


¨Nikosia es la última ciudad dividida. Por murallas, ideas, religiones y un supuesto abismo cultural. Creemos que de una u otra manera todos llevamos cierta Nikosia dentro de la geografía del cuerpo y la mente. Alguien separó en dos a Nikosia, pero nosotros viajamos constantemente a un lado y otro de esa frontera. Y es desde este dualismo, desde este vaivén que vamos aquí a contar nuestra historia; que es tan real y legítima como cualquier otra.”Radio Nikosia es quizás la primera emisora en España que transmite desde la llamada locura.

29/11/07

Arte en las calles



Arte por y para todos.
Convocatoria:
En Valencia el sabado 1 de diciembre 2007, a las 12 horas en el Jardin del Turia, zona Palau de la Música.

INTENCIÓN
De izquierdas, de derechas, apolíticos, marginados, poderosos, niños, ancianos, católicos, judíos, musulmanes, ateos ¿Qué tienen en común? EL ARTE. ¿QUÉ PRETENDEMOS? Pretendemos que el arte sea accesible a todo el mundo, pero ¿Qué es el arte? Arte es todo lo que el ser humano llama arte. ¿Y acaso no eres tú humano? ¿No tienes derecho a opinar que la música que tocas con tus amigos es arte? ¿Por qué tenemos que dejarnos imponer un canon artístico?Estamos hartos de los Bests Sellers, o de que sólo algunos puedan dejarse ver o escuchar.

DEBIDO A LA GRAN ACOGIDA QUE HA TENIDO ESTA INICIATIVA EN VALENCIA y BARCELONA, SE HA DETERMINADO QUE EN ESTAS CIUDADES EL ARTE SALDRÁ A LA CALLE el SÁBADO DÍA 1 DE DICIEMBRE A LAS 12:00 http://www.arteenlascalles.blogspot.com/
Algunas fotos del evento..



Lu Boscá

Eddie (J.Bermúdez)
 
Edu Almiñana y Jenni Arnau
Edu Almiñana

27/11/07

“En tránsito” poemario de Félix Menkar.



“En tránsito” poemario de Félix Menkar.
La pasada semana Félix Menkar ha publicado en los formatos Pdf (Acrobat) y Word (Office) un poemario titulado “En tránsito”, se trata de un viaje personal, la búsqueda del navegante de la esfera, los paisajes que recorre, las dudas que le asaltan, las heridas que laceran sus tripas, acusaciones, ruegos invectivas y súplica para los cómplices. Son 13 poemas y un preámbulo que bien podrían ser discursos, proclamas o manifiestos en clave poética.
Interesados pueden solicitar el poemario de forma gratuita a felixmenkar@hotmail.com indicando el tipo de formato de archivo y el motivo por el que quisiera leerlo.


El poeta resiste (fragmento del poemario “En tránsito”)

En plena ebullición de la estupidez humana,
abriéndose paso entre el estruendo de los fanáticos
y la prepotencia de los imbéciles,
discurre el poeta,
ese ingenuo representante
de la imaginaria belleza,
siempre rozando el fracaso
pero disfrutando con su creación,
sin interés por el éxito ni el lucro,
desdeñando resultados y consecuencias
o la necesaria producción de más versos.
El poeta resiste.
Tiempos de capitalismo salvaje,
de consumidores compulsivos
ajenos a la reflexión y a la lectura,
¿Qué puede haber hoy en día mas inútil que la poesía?
Inútil para la sociedad, pero necesaria
para minorías resistentes…..………

10/11/07

Arte en las calles. Arte por y para todos. Convocatoria


Convocatoria:
En Valencia el sabado 1 de diciembre, a las 12 horas en el Jardin del Turia, zona Palau de la Música.


INTENCIÓN
De izquierdas, de derechas, apolíticos, marginados, poderosos, niños, ancianos, católicos, judíos, musulmanes, ateos ¿Qué tienen en común? EL ARTE. ¿QUÉ PRETENDEMOS? Pretendemos que el arte sea accesible a todo el mundo, pero ¿Qué es el arte? Arte es todo lo que el ser humano llama arte. ¿Y acaso no eres tú humano? ¿No tienes derecho a opinar que la música que tocas con tus amigos es arte? ¿Por qué tenemos que dejarnos imponer un canon artístico?Estamos hartos de los Bests Sellers, o de que sólo algunos puedan dejarse ver o escuchar.

DEBIDO A LA GRAN ACOGIDA QUE HA TENIDO ESTA INCIATIVA EN VALENCIA y BARCELONA, SE HA DETERMINADO QUE EN ESTAS CIUDADES EL ARTE SALDRÁ A LA CALLEEL SÁBADO DÍA 1 DE DICIEMBRE A LAS 12:00 http://www.arteenlascalles.blogspot.com/

31/10/07

Cyberpoem 4.1

Cyberpoem 4.1

Muestra de Poéticas Digitales

El 27 de octubre de 2007 tuvo lugar en el “Centre Cívic Torre Llobeta” de Barcelona el "CyberPoem 4.1: Mostra de Poètiques Digitals", compuesta por una nutrida proyección de videopoesia, ciberpoesia, conferencias, performances, y una exposición de poesía visual. CyberPoem se hace desde el año 2004 con la intención que salga a la luz la obra de poetas que utilizan en mayor o menor medida las tecnologías digitales aplicadas a la poética.




Programa:
CyberPoem 4.1: Mostra de Poètiques Digitals

Sábado 27 de octubre de 2007 de 19.00 h. a 22.00 h.

Joan Casellas (Catalunya, conferencia)
Miguel Angulo (Euskadi, videopoesia: PLASMATICS)
Ainize Txopitea (Euskadi, ciberpoesia)
Xavier Sabater (Catalunya, show de ciberpoesia: ALTAZOR)
Belén Gache (Argentina, ciberpoesia presentant: WORD TOYS)
Jorge Brotons (Catalunya, vídeopoemes)
Joan Crek (Catalunya, show de poesia sonora)
Koke Vega (Extremadura, vídeo creació)
Alquimia del Sol (Catalunya), show audiovisual:
L'EXISTÈNCIA ÉS UNA IMPERFECCIÓ


CyberPoem 4.1: Mostra de poesia visual
Del 27 de octubre al 6 de noviembre de 2007

Inauguración sábado 27 de octubre a les 19 horas

Gustavo Vega
Ferran Fernández
Juan Rosco
Ainize Txopitea

Centre Cívic Torre Llobeta
C/ Santa Fe, 2 bis - 08031 BCN - 93 358 56 14
Metro: Líneas 4 y 5 (Maragall) - Bus: 19, 31, 32, 45, 47, 74. Entrada gratuïta

Información: 635 233 275 -
www.lapapa.org - www.cyberpoem.com - lapapa@lapapa.org


30/10/07

Patricia Piccinini en Artium



El Museo Artium de Gasteiz presenta el emocionante bestiario bio-tecnológico de Patricia Piccinini.
En 1997, ví aquella extraña imagen de un ratón con una oreja en la espalda en las noticias de la noche. Era muy extraño, trágico y asombroso a la vez. Investigué un poco y eso me llevó al emergente campo de la ingeniería del tejido”.
Este fue el punto de partida de “Prottein Latice”, una serie de fotografías y vídeo en las que el fragilisimo roedor, reproducido en silicona, aparece retratado junto a hermosas mujeres en actitud maternal. Y una de las piezas clásicas de Patricia Piccinini que, junto con otras igualmente emblemáticas, forman parte de (tiernas) criaturas, la exposición con la que el Museo Artium de Gasteiz nos introduce en el extraño bestiario bio-tecnológico de esta artista singular.
El ratón que dio origen a “Prottein Latice” había sido creado por unos científicos de Massachusetts apenas dos años antes. Fue objeto de encendidas críticas desde los sectores más dispares y con el tiempo, se ha convertido en un paradigma de la cuestión ética en la ingeniería genética, un campo científico en silenciosa expansión que aplica la manipulación de la vida para los usos más variados: alimenticios (como hacer manzanas más verdes o pollos más gordos), médicos (como tejidos y órganos de repuesto) o especulativos (como la oveja Dolly).
Si el mérito de un artista es aportar un punto de vista diferente sobre la realidad, desde luego Piccinini lo consigue. Porque con su lenguaje narrativo y familiar y el uso que hace de soportes artísticos convencionales como el dibujo, la fotografía digital, el vídeo o la escultura, sugiere un marco de interpretación poco frecuente en la bio-tecnología. Ancladas firmemente en el territorio de lo emocional, sus fabulaciones desplazan el cuestionamiento ético hacia las labores de cuidado de estas nuevas generaciones de criaturas manipuladas con las que estaremos obligados a convivir en un futuro cercano.
Estoy especialmente fascinada por las consecuencias imprevistas, el material que no queremos pero al que, de algún modo, debemos acostumbrarnos. No hay ninguna pregunta sobre si habrá o no resultados indeseados; a mí me interesa saber si seremos capaces de amarlos o no”.
“Prottein Latice” fue su primera incursión en este delicado territorio. Después vino la serie fotográfica “Science Story” que imagina a una pareja de científicos en su laboratorio, entre fascinados y perplejos ante las posibles consecuencias de sus investigaciones. Y la popular escultura “The Young Family” que reproduce a una hembra híbrida entre simio y cerdo mientras amamanta a su prole, creados todos ellos con el fin de proporcionar órganos de repuesto para los humanos.
Creo que la idea de nuestra animalidad compartida es patente en mi trabajo. ¿Cómo podemos dar vida a esta preciosa criatura sólo para matarla? ¿Cómo nos sentiríamos si ella o su prole llevaran el corazón que tu hijita necesita para vivir?
También se pueden ver en Artium algunas obras que dan vida a los “Nature Little Helpers”, una especie protectora concebida para gestar a las crías de wombats, aves australianas en peligro de extinción. Estos pequeños ayudantes de la naturaleza, con sus dos hileras de bolsas dorsales en la espalda, reciben el nombre de surrogates -sustitutos- y en las fantasías bio-futuristas de la artista podrían convertirse en los cuidadores ideales de cualquier tipo de ser vivo dependiente, incluidos los humanos. En “Undivided”, un niño de corta edad aparece apaciblemente dormido junto a su cuidador, una surrogate hembra embarazada. Mientras que “Roadkill” muestra a otro surrogate -o quizás el mismo- arrollado al borde de la carretera cuando, habiendo cumplido la función que le ha sido asignada, su extrema adaptación le hace entrar en conflicto con los humanos.
Piccinini llega lejos en su exploración de las diferentes formas de vida y los límites culturalmente aceptados entre naturaleza y artificio. Sus piezas sobre seres automotrices como “Cyclepups” o “Car Nuggets” muestran camiones bebés, motos que cuidan de sus crías y familias de vehículos que pasan la noche juntos en un parking .
“Parece obvio que un coche es algo artificial pero yo podría argumentar que para mí es mucho más natural que un caballo, dado el tiempo que paso en coche. De hecho, el caballo es producto de miles de años de intervención humana en forma de cría selectiva. Seguramente eso no lo hace menos artificial que un coche”.
Pero aunque las referencias al Frankenstein de Mary Shelley puedan parecer obvias, la obra de Puccinini propone un imaginario radicalmente opuesto. Sus criaturas no constituyen una amenaza, no son violentas ni se rebelan contra su creador. Al contrario, le ofrecen una posibilidad de afecto, cuidado y descubrimiento mutuo, de amor, empatía y responsabilidad. Coordenadas que no suelen estar presentes en las fantasías futuristas y que, como señala Donna Haraway en el texto de presentación a la muestra, sitúan a esta creadora en la radical línea experimental de la ciencia-ficción feminista. Como Haraway, Piccinini también es australiana. Y como ella, observa las fronteras temporales entre pasado, presente y futuro con una perspectiva integradora y sosegada, inspirada por las culturas aborígenes de su país. A diferencia de las sociedades cristianas, en las que el paso del tiempo posee connotaciones algo traumáticas, siendo el presente apenas una bisagra temporal entre un pasado que desaparece y un futuro que siempre está más allá, las culturas primitivas perciben la temporalidad como un todo unitario en el que convergen las vidas de muchas generaciones. Y así, asimilando el progreso tecnológico con las prácticas de los colonos blancos en Australia, Piccinini sueña con lo que Haraway denomina “una ética de descolonización”, llamada a sustituir las prácticas invasivas – ya sean culturales o tecnológicas- por otras más conscientes, centradas en la convivencia entre especies distintas, miembros de una expandida familia post-humana.
***
Mugalari / suplemento cultural del diario Gara, el 10 de noviembre de 2007.
Imagen:
Patricia Piccinini, “The young familiy”
Enlaces relacionados:
***
CC Ptqk 2007

23/10/07

Ciberpoem 4.1 se inaugura en Barcelona el 27 de octubre


El sábado 27 de octubre de 2007 de 19.00 h. a 22.00 h. tendrá lugar en el “Centre Cívic Torre Llobeta” de Barcelona el "CyberPoem 4.1: Mostra de Poètiques Digitals", compuesta por una nutrida proyección de videopoesia, ciberpoesia, conferencias, performances, y una exposición de poesía visual. CyberPoem se hace desde el año 2004 con la intención que salga a la luz la obra de poetas que utilizan en mayor o menor medida las tecnologías digitales aplicadas a la poética.

El programa de este año es el siguiente:

CyberPoem 4.1: Mostra de Poètiques Digitals

Sábado 27 de octubre de 2007 de 19.00 h. a 22.00 h.

Joan Casellas (Catalunya, conferencia)

Miguel Angulo (Euskadi, videopoesia: PLASMATICS)

Ainize Txopitea (Euskadi, ciberpoesia)

Xavier Sabater (Catalunya, show de ciberpoesia: ALTAZOR)

Belén Gache (Argentina, ciberpoesia presentant: WORD TOYS)

Jorge Brotons (Catalunya, vídeopoemes)

Joan Crek (Catalunya, show de poesia sonora)

Koke Vega (Extremadura, vídeo creació)

Alquimia del Sol (Catalunya), show audiovisual:
L'EXISTÈNCIA ÉS UNA IMPERFECCIÓ


CyberPoem 4.1: Mostra de poesia visual

Del 27 de octubre al 6 de noviembre de 2007

Inauguración sábado 27 de octubre a les 19 horas

Gustavo Vega
Ferran Fernández
Juan Rosco
Ainize Txopitea

Centre Cívic Torre Llobeta
C/ Santa Fe, 2 bis - 08031 BCN - 93 358 56 14
Metro: Líneas 4 y 5 (Maragall) - Bus: 19, 31, 32, 45, 47, 74. Entrada gratuïta

Información: 635 233 275 - http://www.lapapa.org/ - http://www.cyberpoem.com/ - lapapa@lapapa.org

21/10/07

In memorian de Carlos Llamas. Homenaje a la Radio.

Ha muerto Carlos Llamas. Un destacado periodista muy conocido en nuestro país, vinculado al El País y la SER, fue conductor los ultimaos 15 años del programa nocturno Hora 25 de la cadena SER. Pero que será recordado por su carácter independiente y crítico. Conectaba especialmente con la audiencia y era muy respetado en el medio radiofónico. La radio pierde con ‘Charly’ uno de sus pilares y un claro referente.
La radio, a diferencia de la prensa o la televisión tiene la peculiaridad de su cercanía, los oyentes en sus vehículos, en la cama, en el trabajo, paseando por la calle la escuchan y perciben muy próximas las opiniones de los comentaristas, ‘Charly’ tenía carisma y no escondía sus debilidades, pero no era sectario y así lograba conectar con la audiencia, se establecían vínculos poderosos entre emisor y receptores. La radio permite una libertad sin parangón. Vehemencia y calor. En su caso no existía una relación asimétrica con la oyentes, la gente le quería y se sentía afectada por sus opiniones, lo sentían muy dentro, lo de menos era estar a favor o en contra; se le valoraba la integridad y su honestidad. Una persona especialmente crítica, algo cínica (en el buen sentido de la expresión), como debe ser para mantener la perspectiva y con mucha ironía.
Algunas de sus reflexiones, nos acercan al perfil de tan singular maestro:
“Criticar es un vicio. Pensar, es pensar “en contra”, pensar críticamente, pensar sin piedad, (Nietsche) a martillazos.”
“Cargarse de razón, oír solo --a los tuyos-- no es ser independiente, no es ser crítico.
“Tras una charla o conversación, un debate fuerte, es difícil estar de acuerdo, llegar a una claridad total, lo primordial es quedar confuso, inquieto. Eso es un buen signo, de que algo se ha removido, se ha reflexionado sobre ello y nos hemos salido de nuestros amarres, las convenciones inamovibles. Debemos tenerlas, por supuesto, pero no ser dogmáticos de ningún modo”.
“Una especia de simulacro, de ficción de crítica, es lo que se suele hacer en los medios..
No quiero ser referente, ni potestad, déjame en paz si me abordas por ese lado. Lo que te planteo es un desafío, una duda, un pensar…”
Carlos Llamas te echaremos de menos, a ti y a tu independencia.

Ubiku
4 octubre 2007

10/10/07

Belén Gaché


Belen Gaché. 2004

Belén Gaché, autora argentina de un libro destacable para entender algunos de los comportamientos artísticos que desde hace siglos han posibilitado el surgimiento de la imaginación creadora, sus motivaciones y los discursos consiguientes son la espina dorsal de la historia del arte.
Su libro se llama “Escrituras Nómades” y es prácticamente imposible de encontrar fuera de Buenos Aires, su lectura tendría que ser recomendada para los estudiantes de filologías y por supuesto de arte.
También –entre otros--   ha publicado ‘Divina anarquía’, (Sudamericana 1999) y ‘Luna India’, (Planeta 1994), los poemas ‘El libro del fin del mundo’ (Fin del mundo Ediciones, 2002) y los ensayos Escrituras nómades (LIMbØ 2004) y ‘El lado invisible de las cosas’, (Madrid, Casa de América, 1999) entre otros. En colaboración con Editorial Sudamericana.

5/10/07

Subir y bajar. Maltrato a las mujeres

Un granito de arena más contra la violencia de género. Aquí estamos todos implicados, todos, hombres y mujeres. Se trata de desterrar una práctica de agresión y humillación deleznable, hasta hace bien poco aceptada social y culturalmente por una amplia mayoría de nuestros vecinos y ciudadanos.

No perdonarás” (decimoprimer mandamiento para las mujeres agredidas)”.

“Todos los cuentos de falsos príncipes y valientes héroes, todas las mentiras sobre nuestra debilidad, toda la historia de la sumisión femenina, todas las canciones y muchas de las poesías que nos hicieron repetir, todas las madres abnegadas y los silencios cómplices de todos los horrores vividos entre las cuatro paredes, todas las prohibiciones y las lágrimas de rabia y de dolor hacen que ella le abra, de nuevo, la puerta del último infierno.

Ver video SUBIR Y BAJAR de el director y guionista de cine David Planell.

más info:

el blog de Elena Valenciano.

Ciudad de mujeres

25/9/07

Reseña.- ARCA - Revista de les Arts.

Revista de les arts. Lleida 1932 http://mdc.cbuc.cat/u?/portalarca,31693

Nos ha parecido interesante el sitioweb (en catalán) de “ARCA” (Arxiu de Revistes Catalanes Antigues) dentro del proyecto “Memoria Digital de Catalunya” donde están disponibles un buen número de revistas digitalizadas. En especial una llamada “Revista de les Arts” editada entre 1932 y 1934 a cargo de Enric Crous, con el estilo innovador de las vanguardias de aquella época. Interesante el manifiesto del nº 1, pag. 1.
Eq.editorial.

20/9/07

Ana Alvarez-Errecalde. Fotografía su parto

"Desde el comienzo de mi embarazo soñaba con hacerme una foto unida a mi bebé por el cordón umbilical. Esto surgió en un intento de contrarrestar tantas maternidades "de película" (literal y metafóricamente hablando) que tanto el cine, la publicidad y toda la historia del arte vienen enseñándonos. Estas maternidades refuerzan el estereotipo surgido a partir de las fantasías heterosexuales masculinas, en donde existe la dualidad madre/puta, siendo sacralizado todo lo relacionado a la "madre" (maternidad con velo incluido).
Se refuerza la imagen de la mujer no como protagonista y héroe, sino como alguien enfermo, fuera de control, alguien que requiere asistencia. Una vez más, se toma a la mujer como objeto, y el objeto no sangra.

Con estas fotos me interesaba mostrar una maternidad desde mi experiencia, en donde para parir me abro, me transformo, sangro, grito y sonrío. Sonrío porque el dolor me acerca a mi hija, sonrío porque el dolor me demuestra lo fuerte que soy, sonrío porque soy protagonista, sonrío porque soy héroe.

Refutando la idea de fragilidad culturalmente aprendida, me interesa mostrarme en control de mi experiencia. Estoy de pie, con la placenta aún dentro mío, con mi bebé unida a mi por el cordón; y hago lo que me da la gana, decido cuando detenerme, hacer la foto y mostrarme.
A un nivel más histórico me interesa levantar el "velo". Mostrar una maternidad menos virginal. Una maternidad vista desde el arquetipo de la mujer-primal, la mujer bestia que no tiene NADA prohibido. Una maternidad no desde los ojos de Eva (el castigo divino de "parirás con el dolor de tu cuerpo") sino vista a través de los ojos de Lucy (la primer humanoide)."

---texto de ana alvarez-errecalde---


13/9/07

X-Art "Intervenciones plásticas en La Polaca" (Xativa) Valencia


Entre el 22 de junio y el 7 de julio de 2007, coincidiendo con la commemoración del tercer centenario de la quema y destrucción de la ciudad, Xàtiva acogió en el huerto de la Polaca, la primera muestra X-art. En un espacio natural y alternativo dieciocho artistas invitados por Toni Grau (también artista, ademas de museólogo y propietario del terreno) presentaron al publico sus intervenciones y propuestas plásticas.

Relación de participantes:


Joan Ramos, Inma Abarca, Carles Grau, Paco Roca, Josep Mallea, Trini Serrano, Josué Perales,
Antoni Marçal, Toni Grau, Alfred Moral, Montse Pont, Ricard Juan, Alba Pérez, Sara Vilar,
Pablo Ruiz, Amado Gorba, Pepe Català, Ricard Vila, Josep Albert, Miquel Mollà

-> mas info :

4/9/07

Xavier Sabater y la polipoesía (informe publicado en Morsa dice)

Por su interés relevante me he tomado la molestia de copiar y pegar el texto publicado en los informes de "Morsa dice" sobre mi amigo Xavier Sabater, breve y esclarecedor con notas y enlaces interesantes para recabar mas información, mis agradecimentos a Cronopio de Barcelona.

''No es verdad que todo esté hecho. Todo está por hacer y lo haremos nosotros.''
Firme en la barricada
Conocí a Xavier Sabater en los principios de los años setenta, cuando las reminiscencias del mayo del 68 caían como chubascos de estrellas sobre nosotros y (creíamos que) la poesía era un arma cargada de futuro.
Por eso mismo fundamos la revista Muerte de Narciso, donde Sabater publicaba sus poemas infernales (y también Pere Marcilla, Pau Maragall, Francesc Fanés, Enric Casasses, Genís Cano, Emilio Cortavitarte, Paco Gallardo y bastantes más). Sabater tenía, debo decirlo, el mismo aspecto jovial y risueño que hoy, aunque lucía unas “melenas” de AQUÍ TE QUIERO VER. De toda aquella perrería, que yo sepa, y hasta nueva orden, él es el único que se mantiene activo y convulso, entusiasta, innovador, iconoclasta y firme en la barricada.
Biodraminas era un apelativo cariñoso por el que muchos lo conocían. También llamado El superviviente, a mí siempre me ha gustado referirme a él como Saba Sanyo, en honor a uno de sus poemas más representativos, Saba Sanyo Casio. Xavier Sabater, ¿saben? tiene muchas cualidades en su haber, aunque yo prefiera ese carácter entrañable que lo hace tan próximo, tan amigo de sus amigos Sabater es un maestro de la acción poética, del gesto poético tanto en su continente como en su contenido. En suma, un agitador de la polipoesía. Sin él, el mundo (el nuestro, ese microcosmos del que provenimos y en torno al cuál no paramos de dar vueltas y más vueltas) sería, ¿cómo decirlo?, más aburrido e inanimado, más normal, más mojigato y reglamentario, más moco que pañuelo, más papanata que patata. En definitiva, más imbécil.
“La polipoesía (dice Xavier Sabater) pretende desarrollar aspectos poéticos que van más allá de los literarios, es así como la poesía se convierte en fonética, sonora, electrónica, gestualizada, de acción, visual, objetual, musical, danzada o teatralizada. La gran variedad de posibilidades hace que los estilos actuales sean diversos y personales. Cada poeta desarrolla su propio estilo. La norma es: ''No es verdad que todo esté hecho. Todo está por hacer y lo haremos nosotros.''
Yo les seguiría hablando del Biodraminas, del Superviviente, de Saba Sanyo, de su larga e interesantísima trayectoria (de la que la anécdota que les he contado sobre la revista Muerte de Narciso es sólo eso, una anécdota). De sus múltiples, geniales y famosas actividades y perfomances poéticas de las que ha sido y es fabulador, promotor y protagonista, pero sé que éste blog ha de ser breve si pretende ser leído, y eso es lo que quiero. Pero no, miento como un bellaco, esta parrafada mía sólo es una excusa para que alguno de vosotros, los más valientes, los menos aburridos, inanimados y mojigatos; aquellos de ustedes que todavía no han sido atrapados por el “moco” de la estulticia imperante y reglamentaria, se atrevan a escuchar alguno de los poemas sonoros de Sabater. Oigan: Vale la pena. Yo les recomendaría, claro está Saba Sanyo Casio [SABA-SANYO-CASIO. 1991. 2:45 min. Texto: Xavier Sabater]. Una crítica de la sociedad de consumo rebosante de humor, espléndida en su cacofonía, brillante en su ejecución, rotunda en su construcción semántica, tierna en su aparente inocencia. Y, sobre todo, ¡caramba!, muy divertida. Pero cualquiera de estos poemas sonoros sirve para salvar su piel (la de ustedes) de tanta roña pipicalzaslargas, tanto sargento del curro y del burro, tanta tontería de lo quiero fácil y sin masticar, tanto rumiante y piloto de pruebas que nos rodea, invade y atonta. Por algo utilizo uno de sus fragmentos para darles mi personal bienvenida en mi contestador telefónico, provocando iras y venidas. Pero ¿qué se creían? ¿Qué yo también me rendiría? Ni hablar.
POEMAS SONOROS (MP3 - DOWNLOAD):http://www.cyberpoem.com/poets/sabater/addalivsdavida.zip
Ad Dalivs Da VidaAnibobisArs Poetis Parolhttp://www.cyberpoem.com/poets/sabater/crisis.zip
CrisisCristo y tres tirosNormal Anormalhttp://www.cyberpoem.com/poets/sabater/lagentesehunde.zip
La gente se hundehttp://www.cyberpoem.com/poets/sabater/sabasanyocasio.zip
Saba Sanyo Casiohttp://www.cyberpoem.com/poets/sabater/senva.zip
Sen VaTornava retornava

30/8/07

Boris Vian. No quisiera morir

No quisiera morir es un librito de poemas que Vian escribió a fines de 1952 y principios de 1953, en momentos apurados de su vida nunca tranquila. Pero el libro no se editó sino póstumamente, en 1962. Se trata de un libro ligero, de poemas con alma de canción, con juegos de palabras (modificaciones léxicas difíciles de traducir) y un espíritu entre surrealista, canzonetista y rebelde que recorre todas las composiciones. El poeta anhela vivir, pese a que la vida es difícil, y está llena de trampas y asechanzas; le duele envejecer y le duele acabar (lo imagina con tristeza) porque pese a que la vida está llena de defectos y patas quebradas, le gusta vivir. (“Es suficiente que me guste/una pequeña brizna de hierba azul”).

Lúdica, metafísica, surreal y elemental, la poesía de Boris Vian parece estar, incesantemente, llamando a la canción. Pero ¿no es la canción --en todos sus modos-- una forma básica de la poesía? de L.A.Villena (fragmento)



No quisiera morir


No quisiera morir
sin haber conocido
los perros negros de México
que duermen sin soñar
los monos de culo pelado
devoradores de trópicos
las arañas de plata
en el nido trufado de burbujas
no quisiera morir
sin saber si la luna
con su falso aire de moneda
tiene un lado puntiagudo
si el sol está frío
si las cuatro estaciones
no son en realidad más que cuatro
sin haber intentado
llevar un vestido
en los grandes bulevares
sin haber mirado
en una alcantarilla
sin haber puesto el sexo
en rincones extraños
no quisiera acabar
sin conocer la lepra
o las siete enfermedades
que se atrapan allí
el bueno como el malo
no me darían pena
si yo supiera
que lo iba a estrenar
y está también
todo lo que conozco
todo lo que aprecio
que sé que me gusta
el fondo verde del mar
donde danzan las brizas de algas
en la arena ondulada
la hierba tostada de junio
la tierra que se agrieta
el olor de las coníferas
y los besos de la
que si tal que si cual
la bella que está ahí
mi osezno, Úrsula
no quisiera morir
antes de haber gastado
su boca con mi boca
su cuerpo con mis manos
el resto con mis ojos
ya no digo más es mejor
no ser irreverente
no quisiera morir
sin que hayan inventado
las rosas eternas
la jornada de dos horas
el mar en la montaña
la montaña en el mar
el fin del dolor
los diarios en color
la alegría de los niños
y tantas cosas más
que duermen en los cráneos
de geniales ingenieros
de jardineros joviales
de inquietos socialistas
de urbanos urbanistas
y de pensativos pensadores
tantas cosas que ver
que ver y que oír
tanto tiempo esperando
buscando en la oscuridad

Y ya veo el final
que bulle y que se acerca
con su cara horrorosa
y que me abre sus brazos
de rana patituerta

No quisiera morir
no señor no señora
antes de haber palpado
el sabor que me atormenta
el sabor que es más fuerte
no quisiera morir
antes de haber probado
el sabor de la muerte…

Boris Vian
Traducción de Juan Antonio Tello

4/8/07

NÉVOA

Canta OFELIA en el Teatre GREC. Barcelona.

17/7/07

Fernando Millán: poesia experimental (extracto)

Lo que te puedo decir es que todo mi trabajo se atiene a un campo que es la escritura. Yo todo lo que hago es sobre la escritura. Distintas formas de escritura, con sus distintos tratamientos, interrelaciones en la escritura. No hay otra cosa. En mis comienzos hago una poesía discursiva tradicional. El siguiente paso con Ese protervo zas, es una atomización de esa escritura, es decir, los nexos empiezan a desaparecer, se empiezan a quedar palabras y frases aisladas, incluso el propio sentido, pues no se trata sólo de que tú hables sintéticamente sino que ya ni siquiera hablas, en algunos casos balbuceas, estás en el límite de lo decible, en el límite de los que se puede decir con palabras, y curiosamente se descubre que dices mucho más de lo que crees porque ahí aparece el tema del habla en la cual no hace falta decirlo todo. Es una poesía del habla, una poesía del oído que reproduce y que escribe. Pero al mismo tiempo esta la escritura como objeto, como presencia, como materialidad, está ahí y uno va y puede hacer cosas con ella. Una de las cosas que puede hacer es tacharla, que es lo que yo hago en un trabajo que empiezo en el 65-66, que continuo y que es una de las líneas más destacadas de mi trabajo hasta llegar a tachar varios libros completos. Sobre esto ahora estoy pendiente de hacer una declaración jurada ante notario, llevando naturalmente los libros, y declarar que soy la persona que ha tachado más libros del mundo. Entonces eso lo voy a enviar a la guía Guinness de los récords para ser incluido en ella como la persona que más libros ha tachado. Al mismo tiempo que trabajo sobre el habla convertida en escritura, la escritura transformada, luego también empiezo a trabajar en otros terrenos. Puesto que la escritura puede tener también color y puede haber también otro tipo de escrituras como la que se hace a través de la grabación del sonido, a través de la fotografía, a través de cualquier forma. Para mi la definición de escritura sería algo así como una forma de fijar la realidad, fijar lo que sucede como alternativa a la memoria. Nunca será la realidad, pero sí una parte de ella, como os sucede con la memoria. La escritura hace lo mismo. Yo pienso que el primer hombre que escribió era eso, es decir, como la memoria es infiel, hay que forzarla con la escritura. Es cierto que después ese invento la sociedad lo ha transformado en elementos de poder porque está claro que las primeras escrituras sumerias o chinas son escrituras de propiedad para controlar las propiedades de cada uno, rebaños, terrenos o lo que fuese. Y también para fijar la leyes de las religiones. Entonces aparecen los poetas, los cachondos y enloquecidos, y utilizan eso para otro tipo de cosas. Rousseau, pensando sobre el nacimiento del lenguaje, dice que el hombre empieza a hablar para mentir, para distorsionar la realidad y servirse de su propia invención. Rousseau dice que el hombre primitivo no necesitaba hablar para comer, cazar o reproducirse, hasta que, dentro de un grupo de homínidos, un individuo débil necesita realizar el deseo de una hembra a la cual sólo tienen acceso los más fuertes, y se le ocurre hablarle y decirle que es la más hermosa y la mejor de todas. En definitiva le miente, qué es para lo que sirve el habla, para mentir, para inventar, para hacer otra realidad. Eso es lo que dice Rousseau del lenguaje y yo lo llevo a la escritura, es decir, la escritura es para inventar. Existe por razones prácticas como la televisión o la fotografía, pero cualquiera de ellas se puede utilizar para inventar, para mentir, para obtener algo nuevo. ¿Cómo?, pues experimentando con ella, tratándote con ella, volcándote sobre ella. Y es lo que he pretendido hacer, es decir, yo creo que nunca he dejado de hacer escritura, ni siquiera cuando he hecho cosas que son pura fotografía. Para mi siguen siendo escritura. ¿Por qué?, porque estoy convencido de que cuentan historias, no en el sentido de la reproducción de algo evidente o real, sino que nos cuentan cosas de nosotros, el individuo ve ahí cosas que le relacionan con su memoria, con su pasado, con su experiencia, con sus temores o alegrías. En definitiva le ponen en marcha, y es lo que yo pretendo. Y entonces, para esto sirven igualmente las imágenes, las texturas, o el color. En algunos casos son cosas de tipo místico, lo cual no es nada extraño si pensamos que el Siglo XX es el siglo donde más artistas místicos ha habido. Es el siglo del misticismo. Por lo tanto que el color te produzca un determinado efecto es concebible.

“Todo mi trabajo se atiene a un campo: el de la escritura”

Mi obra se va constituyendo por la confluencia de todas estas líneas, y en algunos casos hay libros más unitarios, como alguno de mis libros inéditos. Por ejemplo La tesis corporal que es un libro que tiene tres partes: la materialidad, el concepto, y la materialidad del concepto. Tesis, antítesis y síntesis. La materialidad son desnudos femeninos con la palabra- concepto sobre el cuerpo, la segunda parte es el concepto puro sin el cuerpo y la tercera parte el mismo cuerpo con los mismos concepto pero tratado de tal forma que produce una materialización del concepto y una desmaterialización de la posterior. Esta es mi tesis, que a lo mejor no consigo, pero toda tesis tiene que tener algún intento de presentar algo nuevo.

http://www.ucm.es/info/especulo/numero6/millan.htm


7/7/07

Beyond Geometric

Raymundo Colares,  Gibi, 1970.


Desde 1933 hasta 1979 es el periodo que explora UNA PAGINA DE INTERNET perteneciente al Los Angeles County Museum of Art con ejemplos visuales dedicada al arte mas vanguardista de ese periodo con el disco geométrico como fondo.
BEYOND GEOMETRY

1/7/07

Rhizome. Arte en Red

(cortesia de http://www.hamacaonline.net/

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"Un rizoma es una raíz que se extiende bajo tierra en sentido horizontal y saca sus retoños a la superficie. Un sistema que conecta las plantas en una red viva. Nos pareció una metáfora ideal para una organización que quiere ser un medio de comunicación entre personas e ideas.Además es un término utilizado por Gilles Deleuze y Feliz Guattari para describir redes nojerárquicas de diversos tipos"

Alex Galloway en el artículo de R. Bosco / S. Caldana:"La organización Rhizome fomenta el diálogo crítico sobre el net.art." Cyberpaís. 12 Abril 2001
Según Mark Amerika "Rhizome estaba construyendo la comunidad del net.art antes de que el net.art fuese algo cool"  Construcción y comunidad son –precisamente- las palabras más utilizadas para definir este espacio fundado en 1996 por el artista Mark Tribe y el teórico Alex Galloway.
José Luis Brea en La era postmedia señala
"Sin Rhizome no existiría una comunidad net.artística internacional, o al menos su forma no sería la que es. Rhizome es el lugar en el que todo el mundo informa y comunica los resultados de sus prácticas creadoras en la red -y lógicamente también el lugar al que todo el mundo acude para conocer lo que está sucediendo. Gracias a ello, la forma que adopta la comunidad net.artística se parece por lo menos aquí a la de una comunidad de productores de medios -es decir: a una para la cual la audiencia y el colectivo de los emisores tienden a coincidir".
Rhizome
 
Rhizome nació como un espacio para la comunicación y el diálogo crítico del arte digital.Uno de sus primersos proyectos, ArtBase, consistió en la creación de un gran fichero on line de obras de net.art. archivadas junto a una minuciosa recopilación  de información descriptiva, administrativa y técnica sobre cada una de ellas.
Alex Galloway explicó el funcionamiento de ArtBase durante una charla en la Mediateca de la La Caixa
"Estamos desarrollando un sistema de archivo, basado en las investigaciones del artista y comisario Jon Ippolito sobre los medios variables, que nos permita trasladar estas obras a contextos futuros. El artista debe describir su proyecto y el contexto del que ha surgido, y también indicar sus intenciones"

16/6/07

William S. Burroughs_Ajoblanco 1996

William S. Burroughs

Articulo de la revista Ajoblanco publicado en octubre de 1996. Firmado por Oscar Fontrodona.


13/6/07

Cyber Poem 3 Barcelona

Inmersión videopoética.
Mira este video y empápate de videopoesía.

9 minutos y medio de poéticas digitales (sin desperdicio)

Muestra de Poéticas Digitales, Gonzalo Marcuzzi, Xavier Sabater, Rosa Grau, Javier Bou, Akenaton, Lis Costa, Metáfora, Bartolomé Ferrando, Albert Pellicer....

5/6/07

Aldo Novelli. Culpables

Culpables

El mundo está destruido
y yo he descubierto a los culpables.

Los culpables son ustedes
sí ustedes/ poetas/ o lo que es peor: lectores de poesía/
no me miren con esa expresión violenta en los ojos
ya hay demasiada violencia en el mundo/
sean comprensivos por un momento
dejen esa excelsa vanidad de artista a un lado.

Ustedes escribieron tantas palabras de amor
crearon tantos campos verdes avasallados de flores
extasiados de incontables soles/
que el mundo se tornó gris
humeante de metralla y muerte
desquiciado de poder y ambición.

¡Vamos poetas!
hagámonos cargo de la parte que nos toca/
esas incontables noches que hablamos con dios
no le avisamos nada
hasta lo distrajimos con muestras dudas existenciales/
mientras ellos
sin pausa y con esmero
construían la maquinaria infernal
que destruiría el mundo.

Un furibundo abrazo patagónico.
//aldo Novelli