Avelino Saavedra en Ensems 2016

Palau de la Música. Valencia
más info: http://www.rtve.es/alacarta/audios/resonancias/resonancias-avelino-saavedra-drumscapes/3649133/

María Eloy García

                

Nunca he vivido por encima de mis posibilidades, salvo en los sueños, salvo en las ideas que, como dicen los alemanes, están libres de impuestos (por lo menos hasta ahora). Siempre me cubro las espaldas ante determinadas personas: políticos, pedagogos, sociólogos, economistas con o sin nobel, psicólogos y publicistas; nos llevan entre todos a un solo pensamiento, tratan de solucionar lo que una educación en todos los sentidos nos hubiese hecho más variados, con más aristas, con un criterio propio. El miedo a todo me dio la idea de escapar, me dio el horizonte, me hizo pensar, me acostumbró y me taró, pero también me hizo saber elegir. En una sociedad que renuncia al miedo, a la muerte, a la tristeza, a cambio de la línea perfecta donde no se siente, donde las satisfacciones están al alcance de todos en la línea negra ancha de la visa. Yo, que viví con lo puesto, y lo cuento ahora desde mi mac, desde mi adsl, desde mi compañía tiránica de teléfono, yo conectada con todo para no saber bien qué quiero decir, me planto. Ya está bien de los tantos por ciento que te sacan la piel a tiras, de los modélicos ejemplos de los anuncios, de las parábolas de la economía solo para que sepas que no sabes. Hay clases todavía, ahora hay gente tan pobre que no tiene tiempo para sentarse a mirar a las musarañas, hay gente tan pobre que necesita consumir lácteos y faldas cortas de 3 euros para aproximarse a la felicidad, hay que plantarse. Aquí os quedáis con vuestros anuncios cargados de buenismo, con vuestras salvaciones a costa de cadáveres flotando, de vuestras herramientas mediáticas para que nos pensemos sin futuro. Me quedo con la axila caliente de mi prójimo, con mi cerveza de oferta frente a la duda, con mi panegírico de odios, con los laguitos de calcio de las uñas, con la frente arrugada de opinar hacia adentro, con las moscas, con las cosas pequeñas, diminutas, con la felicidad del choque de los átomos para mostrar la maravilla de una sola cosa. Veamos en lo pequeño, la estructura gigante de las cosas, hoy como pan con choped y me siento en una piedra a contemplar el maravilloso espectáculo del mundo.

Ramón Dachs. poesia geométrica e hipertextual

"La linealidad es una herencia de la cultura oral y cuanto más se sofistica la cultura, más nos alejamos de ella"

Ramón Dachs, Barcelona 1959

Ramón Dachs, poeta en 1999

--poemas hipertextuales de R.Dachs
--   web de Dachs

Un texto del Ciberpaís de 1999

 


poema del 2001...

Fronda adentro

               

                              e como un potro na planície nua
                              em ti entrei

                                                                              Eugénio de Andrade

                              1.
En plena selva oscura, a media andada,
¿de quién sino de ti, gentil amiga,
de trato siempre amable y buen semblante,
recibiría gloria tan cumplida?

                              2.
Atravesando llanos, montes, ríos,
por sendas, valles, puertos, por collados,
cañadas, bosques, claros y riberas,
desiertos salvo, y mares, a tu amparo.

                              3.
Besan tus labios, pétalos de rosa,
besan, pezones exultantes, besas,
con lágrimas, ardiente, entera, besas,
piel toda tú, rosal alborotado.

                              4.
Ebrio de ti, te huelo, palpo, tomo,
tendida así, te lamo, siento, veo,
contigua a mí, te estrecho, beso, tengo,
que sin atino vago noche y día.

                              5.
Me gusta que reboses desbocada,
dando rienda suelta al goce entero,
inmensa altiplanicie de alegría
que turbadora alcanzas al galope.

                              6.
Me adentro en el paisaje por la fronda
más umbría, por la hondura más
angosta; por los musgos embebidos
de frescor de manantial, me adentro.

                              7.
Afortunado el día, el mes, el año,
dichoso el sitio justo, el punto exacto
en que nos vislumbramos por ventura
entrelazando frescas las miradas.

                              8.
Cual árbol que se yergue alzando ramas
que va expandiendo con follajes nuevos
al tiempo que se hienden sus raíces,
así tú y yo crecemos fronda adentro.

                              9.
Palabras acuciadas por los ecos
que tañen en los velos de la noche
emergen desde el magma más profundo
igual que lava ardiente por el cráter.

                              0.
¡Evoca en los sentidos lo sentido,
aviva, amor, el límite alcanzado,
delata, corazón, cuál es tu cénit
más alto, puro y nítido en la hondura!
                              *

En la montaña sola
sólo resuena el eco.
La luz penetra honda
hasta alcanzar el musgo.

                              **
Ebrio de hondura, como barco vago.

John Giorno

Performed in an A B Series presentation
November 7, 2012

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Dakini Software (1972)

Recorded at St. Marks Church in New York City on November 8, 1972, John Giorno presents a lengthy excerpt from his poem “Dakini Software.” Giorno is well known for his provocative sound and performance poetry that blends a bohemian sensibility, radical sexual politics, and spiritual practice. All these elements are featured in this echo-laden rendition of “Dakini Software,” which mixes the metaphors of a female, tantric and Tibetan Buddhist deity, or embodiment of enlightened energy, with the concept of computerized instructions to impart the idea of what has been called “brainwashing based on Eastern wisdom.” 

http://ia800701.us.archive.org/25/items/P_GIO_JOH_01/P_GIO_JOH_01_16.mp3

Terence Mc Kenna

La Ciencia ha desdeñado tradicionalmente las fantasías apocalípticas de la religión. Desde la perspectiva científica, el tiempo final únicamente puede suponer un período entrópico carente de cambios. La ciencia ha elegido creer que la totalidad de los procesos únicamente terminan por corromperse y caer en la entropía en un futuro extremadamente distante. La noción de entropía implica que las leyes del continuo espacio-tiempo se extienden lineal e infinitamente hacia el futuro.

En el modelo espiral del tiempo que yo propongo, esta proposición resulta inválida. Para mí, el tiempo final implica abandonar un conjunto de normas que condicionan nuestra existencia para adoptar otras radicalmente diferentes.

El universo es visto entonces como una serie de épocas o eras compartimentalizadas Las distintas épocas se hallan regidas por leyes muy diferentes entre sí, y las transiciones entre una y otra época se producen con una inesperada brusquedad.

La aceptación de esta hipótesis implica comprender el lugar que uno ocupa en esta espiral del tiempo y anticipar cuándo tendrán lugar las transiciones a nuevas épocas. El estudio de la geohistoria apoya esta tesis. Nuestro planeta tiene cinco o seis billones de años. La formación del universo inorgánico ocuparía el primer giro de la espiral. A continuación surge la aparición de la vida. Si examinamos nuestro planeta, (de hecho, el único planeta que podemos examinar con cierta profundidad), descubriremos que los procesos incrementan progresivamente tanto su complejidad como su velocidad.

Nuestro planeta vaga en el espacio durante los dos billones de años previos al surgimiento de la vida. La vida supone una nueva cualidad emergente. En el instante que aparece la vida, un torbellino enloquecido se pone en marcha. Nacen y mueren especies de modo incesante. Este panorama se prolonga por espacio de un billón de años y medio hasta que, de pronto, un nuevo fenómeno emerge: aparecen las especies dotadas de inteligencia. Esta nueva era del pensamiento resulta muy breve en comparación con las etapas precedentes: apenas un centenar de miles de años separan el pedernal afilado de las naves espaciales. Como resulta previsible, en esta época surge una nueva serie de leyes. La emergencia de la novedosa psicofísica permite a nuestra especie manifestar ciertas propiedades peculiares: el lenguaje, la escritura, el sueño o el desarrollo de la filosofía.

Al igual que las serpientes de cascabel o los álamos, los seres humanos están hechos de ADN. Y sin embargo somos capaces de liberar las mismas energías que iluminan los planetas. O de crear una temperatura cero. Y lo hacemos, además, en la superficie de nuestro planeta. Si somos capaces de tales hazañas es porque, a pesar de haber sido creados del barro, nuestras mentes han aprendido a extender nuestros límites con la ayuda de herramientas. Las herramientas nos permiten liberar energías que normalmente ocurren bajo condiciones muy diferentes. Un ejemplo de ello lo constituyen los procesos de fusión, que usualmente tienen lugar en el centro de las estrellas.

Para realizar todo esto nos valemos de la mente. ¿Y qué es la mente? No tenemos pista alguna al respecto. No han transcurrido más que veinte mil años entre los cazadores nómadas y la cibernética y los vuelos espaciales. Cada vez vamos más deprisa y se avecinan nuevas espirales. Cien años entre el Ford-T y la nave estelar. Sesenta años entre una velocidad terrenal máxima de cincuenta kilómetros por hora a otra de trece kilómetros por segundo.

Los aspectos más sorprendentes y excitantes de esta teoría se refieren a la predicción de los cambios de época más próximos en el tiempo, sobre los que existe coincidencia entre la "Ola del Tiempo" (Timewave) y el recuerdo histórico. La "Ola del Tiempo" muestra a veces un cuando menos sorprendente parecido con los datos históricos. Así, por ejemplo, la predicción de que en el 21 de diciembre del año 2.012 de nuestra era tendrán lugar acontecimientos de la máxima novedad coincide extrañamente con la fecha final del calendario maya. ¿Por qué razón un individuo del siglo veinte coincide con una vieja civilización mesoamericana a la hora de fijar una fecha en la que se producirá la transformación del mundo? ¿Se deberá ello a la coincidencia en el uso de hongos psicodélicos? ¿Será tan simple la respuesta? Personalmente, no lo creo. Más bien sospecho que cuando inspeccionemos la estructura más profunda de nuestro inconsciente haremos el inesperado descubrimiento de que está ordenada de manera idéntica al universo del que forma parte. Es ésta una noción que, a pesar de su naturaleza inicialmente sorprendente, muy pronto es percibida como obvia, natural e inevitable.

Establecer una analogía con las dunas del desierto quizás ayude a comprender mejor este fenómeno. Las dunas tienen la interesante particularidad de que se asemejan a su fuerza creadora, el viento. Cada uno de sus granos de arena podría ser comparado a los bits de un ordenador. El viento sería entonces el dispositivo de entrada de datos que dispone los granos de arena hasta convertirlos en una plantilla a menor escala dimensional de un fenómeno superior, en este caso el propio viento.
Esto no tiene nada de mágico y ha sido bien explicado: el viento, una fuerza variable en el tiempo, moldea la forma de la duna, una estructura variable en el espacio. En mi opinión, los organismos son como granos de arena dispuestos según el flujo y la presión de los vientos del tiempo.

Consecuentemente, tales organismos llevan en sí la marca de las variables inherentes al medio temporal en que surgieron y se desarrollaron. El ADN actuaría como la pizarra desnuda en la que se inscribe la secuencia y las diferencias relativas de las cambiantes variables temporales. De ello se deduce que aquéllas técnicas, como el yoga o el uso de plantas psicodélicas, centradas en las relaciones energéticas existentes en el interior de un organismo dotado de vida, tendrían la facultad de otorgar el conocimiento profundo de la naturaleza variable del tiempo.

La secuencia del rey Wen del I Ching es producto de este tipo de conocimiento. La cultura humana se constituye en una curva de creciente potencialidad. En nuestro torturado siglo esta curva se ha disparado de modo vertical. El ser humano se ha constituido en una amenaza para todas las especies del planeta. Cada especie del planeta se apercibe de la existencia de los materiales radioactivos que hemos acumulado por todas partes. El planeta, como ente sensible que es, está en disposición de responder a tales atropellos. Con tres billones de años de existencia, dispone de numerosas opciones. Nosotros, no.

Nacido en 1946, el autor y explorador Terence Mc Kenna estudió durante tres décadas los fundamentos ontológicos del chamanismo y la etno-farmacología de la transformación espiritual. Tras graduarse en Ecología, Conservación de los Recursos y Chamanismo por la universidad de Berkeley, California, viajó extensivamente por las regiones tropicales de Asia y América, investigando exhaustivamente los fenómenos chamánicos y la etno-medicina de la cuenca del Amazonas. Terence McKenna publicó más de una decena de libros, entre los que destacan títulos como The Archaic Revival, History Ends in Green y Food of the Gods, The Search for the original Tree of Knowledge. Su última obra, Maya Cosmogenesis 2012: The True Meaning of the Maya Calendar End-Date, se editó en 1998. Murió el 3 de Abril de 2000 en San Rafael, California, víctima de un cáncer.
de ART FUTURA 1992
http://deoxy.org/mckenna.htmhttp://deoxy.org/mckenna.htm

¿Vivimos en un neo-feudalismo?

Esta reflexión viene a cuento tras releer una columna de Rafael Reig en el diario Público de hace siete años. En la sección 'Carta con respuesta' , en la que un lector escribe a RR con ironía si tenemos que soportar estas historias y el escritor le contesta con sarcasmo y un... tono más bien fuerte:

Donativo para Mr. Cage

 “Nicolas Cage, que ganó 26 millones de euros en el último año, está arruinado porque su ex asesor financiero no le informó a su debido tiempo del volumen de compras que estaba efectuando, y ha tenido que poner a la venta dos modestos castillos de varios millones de euros para evitar las colas de los comedores sociales. ¿Es necesario que los ciudadanos tengamos que conocer los detalles de semejantes dramas sociales?  Quizás se  trata de estimular el noble sentimiento de la solidaridad en la ciudadanía para fundar alguna ONG especializada en este tipo de calamidades”.

ALEJANDRO PRIETO ORVIZ. GIJÓN (ASTURIAS) 

Vivimos en una feliz comunidad feudal formada por “oratores, bellatores et laboratores (o pecheros)”. Los bellatores, los nobles guerreros, nos defienden a todos, crean riqueza, fundan empresas y multiplican el número de puestos de trabajo para los laboratores, que debemos estarles agradecidos porque nos permiten ganarnos la vida en sus tierras, fábricas, industrias o domicilios. Los laboratores somos los pecheros, sujetos tributarios que a cambio de tantas mercedes tenemos que inyectarles liquidez a los bancos si las cosas van mal. 

Los oratores ya no son sólo ni principalmente los curas. ¿Quién defiende nuestras almas y nos mantiene en contacto con verdades trascendentes? Pues los políticos, los artistas y los intelectuales. Se lo debemos todo: nos re-ligan (de ahí la religión) con el más allá, con la solidaridad, el arte, la salvación del planeta o el pensamiento puro. Agradecidos, les pagamos la gran vida. Los actores también son oratores, viven, en nuestro nombre, con gran intensidad espiritual. La mayoría son por lo menos zen y sufren lo indecible (debido a su sensibilidad). ¿Que un orator tropieza y se folla a un monaguillo (o a una niña, como Polanski)? Pues a compadecerle tocan y a reclamar que le suelten. ¿Que se arruina? Pues habrá que apoquinar, que para eso somos pecheros.   

Mr. Cage es un artista, o sea, que tiene mucha más sensibilidad que usted y que yo, y por tanto no es justo que renuncie a sus castillos: a él le duele más que a nosotros. Ande, seamos solidarios: vamos a hacer una colecta.

R.R.

Rafael Lozano-Hemmer. Poemas en el agua

En su nuevo proyecto el artista mexicano Rafael Lozano-Hemmer ha creado una máquina de vapor frío que escribe poemas evanescentes bajo la rúbrica de "Call on Water". Se trata de una fuente que escribe poemas suspendidos en el aire en vapor frío que asciende de una cuenca. El trabajo parece reflexionar sobre la sutileza de la poesía y la propia impermanencia de las cosas, representando en plumas hidrodinámicas versos de Octavio Paz que se pueden casi respirar. Esto de una manera incluso metalingüística, ya que los mismos poemas escritos en el vapor hablan sobre el agua, la memoria, la niebla, la irrealidad del mundo; una fantasmagoría que está en los textos y está en la forma en la que se presentan.

Estos son fragmentos de un poema de Octavio Paz que se escribe en el agua:

Mis palabras me miran desde el charco
de mi memoria. Brillan,
entre enramadas de reflejos,
nubes varadas y burbujas,
sobre un fondo del ocre al brasilado
las sílabas de agua.
Ondulación de sombras, visos, ecos,
no escritura de signos: de rumores.

Quizá Lozano Hemmer debería escribir en el agua también poemas de John Keats, el gran poeta cuyo epitafio reza:

Here lies One whose Name was writ in Water.

(Aquí yace Uno cuyo Nombre fue escrito en el Agua)

ir al sitio de Rafael Lozano-Hemmer http://www.lozano-hemmer.com/call_on_water.php

DIONISIO CAÑAS: EL GRAN POEMA DE NADIE

El Gran Poema de Nadie, 2002-2016

Documental, 27′ 00”

 Collage sobre cartón flexible, 120 x 400 cm.


“Con la basura de todos haremos El Gran Poema de Nadie”, así se inicia la presentación del taller de poesía participativa de Dionisio Cañas en el que se basa el documental (montado por Clara López). El poeta ha venido realizando este taller durante los últimos catorce años en varias ciudades españolas, como Cuenca, Madrid, Barcelona y Salamanca, y extranjeras como Nueva York, El Cairo, Rabat, Toulouse y más recientemente en los campos de refugiados de la isla de Lesbos, Grecia.

Este documental recorre todo el proceso de cómo se hace dicho taller, a través de imágenes de su realización en algunos lugares del mundo y en España, en diferentes épocas. Por otro lado, por medio de múltiples entrevistas, el poeta no sólo explica cuáles son los diferentes pasos que hay que seguir para que cualquier persona o institución pueda realizar el taller por cuenta propia, sino que también informa sobre la historia y tradición de la poesía colectiva, participativa, hecha por varias personas en colaboración.

El taller El Gran Poema de Nadie consiste en que un grupo de personas recoge de la basura las palabras que hay impresas en periódicos, envases, cajas o cualquier otro soporte como los carteles que se encuentran pegados en las paredes de las calles. Posteriormente, siempre en grupo, se seleccionan y ordenan las palabras y se van creando versos entre todos. Luego se montan estos versos sacados de la basura en una banderola que es expuesta para que cualquier persona pueda leer el poema colectivo ya terminado.

Alfonso Aguado Ortuño. Poesía visual

El imperdible

¿te quiero?

Carlos Romeo. Lo que supe de Xavier Sabater y poema fonético Tekne Iatrike

LO QUE SUPE DE XAVIER SABATER

Carlos Romeo

Hay un antes y un después que deben relatarse para poder situar lo que quiero contar.

Empezaré con un breve apunte autobiográfico. Creo que mucha gente identifica, sobre todo en el recuerdo, la tercera década de su vida como una época feliz, como si los “veintitantos años” fueran sinónimo de algo positivo sólo por invocar esas cifras. En mi caso no fue así. Los años ochenta (yo cumplí veinte años en 1981) fueron una mala época de mi vida. Yo vivía en el centro de Madrid, en el barrio de Chueca, no muy lejos del barrio de Malasaña. Allí, en la calle San Vicente Ferrer, un compañero mío del instituto (junto con su pareja de entonces) abrió un bar de copas llamado El Roto, muy cerca del Elígeme. De una forma espontánea empecé a recalar en este local con frecuencia, y fue allí donde conocí a Xavier Sabater. Llamaba la atención su aspecto de hombre delgado, con el pelo peinado hacia atrás y vestido de negro. Ha pasado mucho tiempo, más de veinticinco años, desde aquel primer encuentro y no puedo recordar las fechas exactas, pero tengo la certeza de que hablo de la segunda mitad de la década de los ochenta.

Creo que no fui consciente hasta más tarde de la conmoción que provocó en mí conocerle. En lugar de hablar sobre arte, Xavier practicaba el arte. Poesía, obra gráfica, música, pero más allá aún de lo que estos nombres pueden evocar en primera instancia. Hablaba de poesía visual, audiopoesía, poesía fonética, etc. Polipoesía, en suma. Y no me olvido de las tendencias que inventaba, como el “No Arte Total”.

Seguramente no mentiría si dijera que la mitad de nuestras conversaciones tuvieron lugar en bares, como El Roto u otros. También estuve en su vivienda y lugar de trabajo, un amplio local situado en la calle Valverde. Los hilos del destino parecen trenzados, mi familia vivió durante décadas unas casas más abajo de esa misma manzana. Luego supe que su primer domicilio en Madrid lo tuvo en una vivienda del mismo edificio donde yo viví posteriormente entre 1991 y 1992.

Con mi amigo, el que montó El Roto, Xavier había intentado hacer música sin muchos resultados o al menos eso creí entender. Yo cogí todos mis teclados y gran parte de mi equipo y lo dejé todo en su local. Así que tocamos y ensayamos en varias ocasiones. También se grabó, con un micrófono colgado del techo, parte de lo que hicimos y que acabó siendo una de las fuentes de Proyectos, una cinta de cassette del SISS.

Yo recuerdo a Xavier Sabater como una persona con la mente efervescente y llena de ideas. Me habló mucho del LIAD, Laboratorio Informal de Actividades Diversas, del cual el SISS, Sección de Investigaciones Sin Sentido, era parte. Me habló de sus amigos de Barcelona, como Félix Menkar, Antón Ignorant o Alberto Coduras; y de mil y un proyectos más, como la idea del colectivo que tenía in mente, ODA. Con algunos conocidos de mi ciudad hubo un amago de formar un LIAD-Madrid pero, aunque nos reunimos para hablar de ello, el asunto no fructificó.

Las cosas que hicimos entre él y yo fueron varias. Aparte de mi presencia en parte de la ya comentada cinta Proyectos, llegamos a escribir una canción a medias. Se trata de “Nunca-Nunca”. Era un proyecto de música pseudocomercial, en palabras de Xavier. Los versos se desarrollaron sobre una base musical mía, y recuerdo perfectamente cómo a él se le ocurrió la música del estribillo. La letra era suya por completo y la desarrolló mientras escribíamos la pieza. Una primera versión de la letra del estribillo fue sustituida por otra cuando él creó una nueva melodía para el mismo. Tenía yo entonces una hoja enorme de papel milimetrado y en ella escribí la letra de la canción, con las dos variantes. Ese es el motivo por el que no hay una versión autógrafa del texto por su autor. No lo grabamos. Posteriormente, yo sí grabé mi versión de la pieza, cantándola yo mismo. Era más up tempo que la misma tal y como la ensayamos en su día. ¿Otoño de 1987? Es una fecha aproximada, quizá probable.

Con relación a la música hay que hablar de un par de cosas más. Durante parte del curso académico transcurrido entre 1987 y 1988 planteamos y realizamos una serie de Audiciones Sonoras en el bar Redoxon, de nuevo en la calle de San Vicente Ferrer en Malasaña (en la acera de enfrente del Elígeme). De estas audiciones, se repartieron flyers y Xavier hizo uso de su lista de contactos. De todas las que hicimos la que tuvo más éxito de público fue la primera, dedicada a la Audiopoesía. Además, Xavier se había comprometido a distribuir cintas con la música de Antón Ignorant, Víctor Nubla y artistas con estos relacionados, y estos se promocionaban en estas ocasiones.

Recuerdo varias de estas sesiones, de unas dos horas de duración, en las que la selección de la música la hice yo mismo, como fue el caso de la dedicada al minimalismo. El 28 de marzo de 1988 realizamos la dedicada a la música de los integrantes del LIAD-Madrid.

Más adelante tuve una última colaboración musical con él, cuando Xavier ya había vuelto a Barcelona a comienzos de los años noventa. Una de las características de mi vida es que soy un especialista en perder trenes. Estaba fascinado por la escena de las cintas de cassette autoeditadas y con la técnica (y estética) de la grabación en cuatro pistas. Finalmente tuve una grabadora así, varios años más tarde del que quizá hubiera debido ser su momento. Esto es pertinente porque tuve la oportunidad de ofrecerle un fondo musical a un poema que Xavier me envió. Se trataba de “Las mujeres que siempre amé”. Construí la pieza con mi pequeño Casio SK 1 capturando muestras de Orfeón Gagarin, Glen Moore y Don Cherry, y añadiendo mi guitarra solista grabada en reversa. Es una pieza muy rítmica que registré en dos versiones, instrumental por un lado, y con el poema recitado por mí en la otra. Todo esto se lo grabé en una cinta y se lo mandé. Fue la última vez que hicimos algo juntos, de alguna manera.

Dejando atrás lo musical y yendo hacia la literatura, él y yo hablamos mucho de libros. Por ejemplo, de cómo él había hallado una trascendencia en Céline que no encontró en Mishima. Él me regaló, de las copias que disponía, fanzines como Exóticas Nuevas. También dos libros editados por La Cloaca: la antología Algunos poetas en Barcelona y su propia obra Oscuros silencios de bronce. Yo tenía un texto, “Réquiem –fragmentos con banda sonora–”, y se lo presenté. Le gustó lo suficiente como para incluirlo en el primer número de Warieteees, una revista espléndidamente presentada que Xavier mismo editó. Algo que siempre le agradeceré.

Yo escribía poesía desde hacía algunos años. Había abandonado las formas clásicas para desarrollar una forma de expresión libre. Con toda seguridad, conocer lo que estaba haciendo él fue lo que me preparó para crear mi poema fonético “Tekhne Iatrike”. Sólo puedo decir que a Xavier este texto le entusiasmó, tanto que lo incorporó posteriormente al repertorio de Poliphonètica Dinàmica. Antes de llegar a esto, hubo algunas cosas más. Le ayudé a montar una actuación en el Café Manuela, en Malasaña, que tuvo lugar el día veinte de septiembre de 1988. Supongo que gracias a esto vi Polipoesía en acción, ya que Xavier se encargó de crear un espacio poético donde se desarrolló el acto. Había algo de “instalación”, algo de “performance” junto a la propia poesía. Colaboré con él haciendo la segunda voz de “Violencia y confusión”. Le sugerí que presentara “Tornava Retornava”, ya que él temía alguna reacción adversa del público ante el uso del catalán, pero no hubo ninguna. Yo participé con un par de piezas mías, pero estaba claro que la Petit Performance Poli Poética Phonétika era algo suyo.  

Con Xavier Sabater ya de vuelta en Barcelona, tuve la ocasión de escuchar el espectáculo “Simplis poetus ignorantius somus” presentado por Poliphonètica Dinàmica el día veintiséis de junio de 1990 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Algunos elementos que conocí en su Petit Performance Poli Poética Phonétika reaparecieron en esta actuación, como la generación de un “espacio poético” y parte del repertorio. Dentro del mismo el grupo interpretó mi “Tekhne Iatrike”.

El último contacto que tuve con él fue en 1996, en la época de la pieza musical que he mencionado previamente. Él me regaló tres libros editados por sedicions, que incluían su poemario Saba-Sanyo-Casio, dedicado, que he conservado siempre.

Ahora debemos remitirnos al aquí y ahora, al porqué de este escrito. Éste tiene que ver con un acto organizado en Madrid, el pasado veintiséis de abril de 2014. Se trataba de la presentación conjunta de tres publicaciones en las cuales colaboro, una literaria (Pélago) y dos musicales (El Chamberlin y Oro Molido). Yo quise devolver el favor que me hizo Xavier en su día recitando mi “Tekhne Iatrike” y planeaba presentar su “Tea Nia Anibobis”. Me puse a buscarle por la red para contactar con él y ponerme al día. Entonces me encontré con la terrible noticia de su fallecimiento, sucedido en Barcelona el pasado seis de marzo.

Esto cambió de raíz mi presentación. Decidí que dos textos míos envolverían una selección de poemas suyos extraídos de los libros Algunos poetas en Barcelona y Saba-Sanyo-Casio, junto al texto, que presumo inédito, de la canción que escribimos juntos, “Nunca-Nunca”. No podía hacer menos por él, en su recuerdo y homenaje.

Escrito en Madrid a veinte de mayo de 2014. Ω

Publicado en la revista Pélago nº 20 del 2014

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TEKHNE IATRIKE

¡Ananké!

Soma krasis, tou somatos theion.

Physis tou iatros. Psyche krisis.

Eidea…

¡Lysis!

¡Krisis!

Psyche soma.

Psyche soma.

Psyche soma.

¡Aisthesis empireia tykhe!

Dyskrasia.

Dysroia.

Katananken.

Pepsis akmé, demioergoi euroia.

Pneuma triplokya, metastasis theion.

Tropoi Techne eukrasia.

Logos iatrike. ¿Eukrasia?

¡Dyskrasia!

            ¡Dysroia!

¡Katananken!

Parenkyma arkhia eleutheria.

Aisthesis tou somatos.

Tekhne Iatrike.

Parenkyma sepsis, empyema homoion.

Tropoi diakrisis. ¿Katatyken?

¡DYSKRASIA!

¡DYSROIA!

¡KATANANKEN!

Psyche soma.

Psyche soma.

Psyche soma.

                 

 ¡Katananken!

Katananken…

Carlos Romeo.  Primavera de 1988

Pedro Garhel, recordando a

Prótesis. Pedro Garhel 1988

ARS sonora - Pedro Garhel - 02/10/10

--Escuchar entero el audio en ARS SONORA

Dedicamos nuestro programa al artista canario Pedro Garhel (1952-2005) y presentamos una selección de sus creaciones sonoras, realizadas en colaboración con diferentes artistas: "Moonlight", con Hugo Westerdahl, y "This Time", con Luis Escribano. Se trata de trabajos que van desde el pop hasta el radioteatro, y desde el minimalismo hasta el punk, atravesando siempre los terrenos de la performance y la experimentación sonora.

Escuchamos también una breve entrevista con Karin Ohlenschläger, experta en la obra de Pedro Garhel y comisaria de la exposición retrospectiva dedicada al artista que se presentará en el CAAM de Las Palmas de Gran Canaria desde el próximo 26 de noviembre 2010.
Precisamente con la música de Pedro Garhel y Rosa Galindo (en el dúo Depósito Dental) concluía el doble monográfico titulado “Andrés Noarbe y la música experimental en la España de los años ochenta” que, en mayo de 2011, nos sirvió para explorar los orígenes históricos de la escena underground, conectados con las redes de intercambio de casetes, los primeros estudios caseros, los microsellos unipersonales y los fanzines y emisoras de radio especializadas. Para ello contamos con Andrés Noarbe, miembro fundador de El Aviador Dro y sus Obreros Especializados, mánager y editor de grupo Esplendor Geométrico, fundador de Discos Esplendor Geométrico, y director de Rotor Discos.
En la primera parte de este doble monográfico escuchamos músicas de Kluster, Conrad Schnitzler, Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire, Der Plan, Esplendor Geométrico, Whitehouse y La otra cara de un jardín (Francisco Felipe, fundador —junto con José Iges— de Ars Sonora en 1985)  :

Rosa Montero y Raúl Zurita: ‘Ni pena ni miedo’.

Rosa Montero (Madrid, 1951) escritora y Raúl Zurita (1950), poeta chileno (*). “Ni pena, ni miedo” es uno de sus versos. Dice Rosa Montero: ‘El tatuaje es la única manera que tienes de hacer tuyo el cuerpo. Tengo tatuado en la nuca, "ni pena ni miedo", de Raúl Zurita. Un gran lema para la vejez. (esos versos están escritos en el desierto, al norte de Chile. Curioso nexo.

(*) Raul Zurita en 1993 ha plasmado en el desierto de Chile la frase "Ni pena ni miedo" (-24.037724, -70.440034), cuya fotografía cierra el libro ‘La vida nueva’ y que por su extensión, 3.140 metros, solo puede ser leída desde lo alto. Con estas iniciativas intenta sobrepasar el concepto tradicional de poesía y literatura acercándose al de arte total.

Fmk, Sept.2016

Antonio Henrique Amaral

Antonio Henrique Amaral, 1935 São Paulo, Brasil

Pintor brasileño actual y grabador. Más conocido por sus imágenes críticas y artísticas de contenido politico, una serie de pinturas de plátanos que han sido mutilados por tenedores y cuerdas. 

Accidents Polipoétics. Aritmética

La aritmética fue inventada un día de lluvia por un señor que no tenía nada
mejor que hacer que contar las gotas que caían de su viejo sombrero de
rabino escéptico.

La aritmética fue inventada por un señor que quería comprar un autobús
de segunda mano y sólo tenía mil pesetas de las de entonces.

La aritmética fue inventada por un señor que tenía una cuñada aburrida y
patizamba, que caminaba de dos en dos, y resoplaba de cuatro en cuatro,
al subir los veinte peldaños de la escalera de su casa.

La aritmética fue inventada por un señor que se subió a la cima del mundo
y dijo: seis mares, tres árboles, doce postes de teléfono, un coche y treinta
sobrinos en el paro. Hay que recordar que en aquellos tiempos el mundo
era mucho más pobre y no había ni jabón.

La aritmética fue inventada por un señor que se cortaba las uñas de los
dedos de los pies y no sabía si el pie era suyo, el de su mujer, o el de un
pariente que dormía, desde hacía tres años en el sofá-cama del comedor
de su domicilio en Somosaguas.

La aritmética fue inventada por un señor que repartía panes de a kilo y
que necesitaba saber lo que era un kilo para descubrir el pan, pues el
negocio, sin kilos y sin panes, le iba francamente mal.

La aritmética la inventó un sabio monje tibetano que dormía en una
pensión del barrio chino haciéndose el mongol cada vez que la patrona le
pedía el alquiler y él sufría una repentina crisis de amnesia.

La aritmética fue inventada por un señor barbudo, feo y esponjoso, que
vivía en una cueva de renta limitada, en la calle del Diplodocus Contento, y
que necesitaba un sistema para averiguar cuántas veces se había casado
y cuántos hijos había esparcido por el mundo.

La aritmética la inventó un señor llamado Adán, al fundar la primera
empresa de exportación de manzanas Golden Imperial.

La aritmética, una ciencia con futuro.

ES MEJOR ESCUCHARLO...AQUÍ!!

--->Más info en la Wiki

Dirk Huelstrunk, poeta sonoro

Huelstrunk es poeta sonoro, escritor, artista sonoro y organizador de recitales y poetry slams. Es uno de los autores más personales y activos en el ámbito de la poesía sonora en Alemania. Sus referentes van desde la poesía sonora y la beat generation al dadá y el spoken word. Su trabajo poético sonoro —que denomina Sample Poetry— se basa en la superposición de loops que a menudo manipula en directo para crear una textura sorprendente de ritmos y palabras.
Suele presentar recitales de poesía electrónica con 'loops de voz' y procesador de efectos Air FX. Asi como samplers para producir golpes rítmicos de palabras, murmullos meditativos y distorsiones electrónicas del habla.

--ver su web aquí

Huelstrunk con Brandstifter, Antibodies - at Mousonturm Frankfurt 2011

Expo en el MACBA

PUNK. SUS RASTROS EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO

13 mayo al 25 sep. 2016

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Hans-Peter Feldmann '5 Pound Bill with Red Nose', 2012. Cortesía de ProjecteSD, Barcelona

El MACBA presenta esta coproducción entre CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, ARTIUM, Centro Vasco de Arte Contemporáneo, en Vitoria, el Museo Universitario del Chopo, Mexico y la Ciudad de Mexico, comisariada por David G. Torres y en la que participan más de sesenta artistas, nacionales e internacionales. Es un recorrido por la influencia del punk en el arte actual y se hace eco de la importancia de su presencia como actitud y como referente entre muchos creadores. La exposición comprende instalaciones, rastros documentales, múltiples, fotografías, vídeos y pintura; además, incluye una sección documental sobre los orígenes del punk y sus rastros hasta la actualidad.

Algunas de las temáticas tratadas son el ruido, la negación, la violencia, el nihilismo o la sexualidad. La insatisfacción, el inconformismo, la pérdida de fe en el progreso o la crítica feroz a los iconos del sistema económico y social aparecen en la obra de estos creadores.

El punk surgió en Londres y Nueva York entre 1976 y 1978 como una explosión de malestar y descontento ante una situación sin futuro que enseguida prendió y se extendió geográficamente. Una rabia que hoy todavía resuena. El periodista y crítico musical Greil Marcus esbozó por primera vez en 1989, en Lipstick Traces. A Secret History of the Twentieth Century (traducido al castellano: Rastros de carmín. Una historia secreta del siglo XX), un recorrido por los antecedentes del movimiento, remontándose al dadaísmo y el situacionismo. La exposición toma como referencia este libro y hace el mismo ejercicio a la inversa: es un ejercicio prospectivo que busca los rastros del punk en los artistas actuales.

En esta exposición, el punk aparece como una referencia explícita en muchos artistas; en los usos de elementos como el ruido, la tipografía de recortes, el antidiseño y el feísmo; o con la inclusión de referencias musicales explícitas a grupos musicales. Pero también se muestra el rastro del punk como actitud: la negación, la oposición y la destrucción; el hazlo tú mismo; la alusión al miedo y el terror en una sociedad que enajena al individuo; la propia alienación que provoca estados psicóticos; la valoración de lo que se sale de la norma; el nihilismo; la crítica al sistema económico y la anarquía; o la reivindicación de la propia libertad sexual, del cuerpo como lugar de batalla.

Comisario: David G. Torres

LOS ECOS DEL PUNK
Este timeline revisa con vídeos, textos y música, hechos relevantes de la génesis de la actitud punk, desde el dadaismo de principios dels s.XX hasta la irrupción de las Pussy Riot en la catedral de Moscú el 2012.


LOS RASTROS DEL PUNK EN...
Escucha la selección de música comisariada.

LA PUBLICACIÓN
El catálogo Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo está disponible online y también en la MACBA Store Laie.

Leer más

Carlos Aires, Marcel·lí Antúnez, Martin Arnold, Fabienne Audéoud, Eduardo Balanza, Bill Balaskas, Jean-Michel Basquiat, Jordi Benito, Laurent P. Berger, Chris Burden, Tony Cokes, Jordi Colomer, Brice Dellsperger, DETEXT, Die Tödliche Doris, Christoph Draeger, Jimmie Durham, Tracey Emin, Mario Espliego, VALIE EXPORT, Hans-Peter Feldmann, Claire Fontaine, Chiara Fumai, Iñaki Gar-mendia, Kendell Geers, Gelitin, Nan Goldin, Douglas Gordon, Dan Graham, Eulàlia Grau, Johan Grimonprez, Guerrilla Girls, Antoni Hervàs, Jota Izquierdo, Mike Kelley, Martin Kippenberger, João Louro, Christian Marclay, Israel Martínez, Raisa Maudit, Paul McCarthy, Jonathan Meese, Jordi Mitjà, Joan Morey, Janis E. Müller, Matt Mullican, Itziar Okariz, João Onofre, Antonio Orte-ga, Luis Felipe Ortega y Daniel Guzmán, Tony Oursler, Mabel Palacín, Juan Pérez Agirregoikoa, Raymond Pettibon, Maria Pratts, Tere Recarens, Jamie Reid, Tim Reinecke, Aïda Ruilova, Pepo Salazar, Santiago Sierra, Federico Solmi, Natascha Stellmach, Tres, Gavin Turk, T.R. Uthco & Ant Farm (Doug Hall, Chip Lord, Doug Michels y Jody Procter), más algunos de los documentos, discos, libros y referentes gráficos más relevantes del punk.

Boris Vian

Uno de mis escritores preferidos del siglo XX y también músico y poeta. Recordando....el prefacio de La Espuma....y un par de poemas del poemario 'No me gustaría palmarla'

Prefacio de 'La Espuma de los días'

Como puede verse, es un procedimiento confesable donde los haya.
En la vida, lo esencial es formular juicios a priori sobre todas las cosas. En efecto, parece ser que las masas están equivocadas y que los individuos tienen siempre razón. Es menester guardarse de deducir de esto normas de conducta: no tienen por qué ser formuladas para ser observadas. En realidad, sólo existen dos cosas importantes: el amor, en todas sus formas, con mujeres hermosas, y la música de Nueva Orleans o de Duke Ellington. Todo lo demás debería desaparecer porque lo demás es feo, y toda la fuerza de las páginas de demostración que siguen procede del hecho de que la historia es enteramente verdadera, ya que me la he inventado yo de cabo a rabo. Su realización material propiamente dicha consiste, en esencia, en una proyección de la realidad, en una atmósfera oblicua y recalentada, sobre un plano de referencia irregularmente ondulado y que presenta una distorsión.
Boris Vian. Nueva Orleans, 10 de marzo de 1946
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ESTRIDENTISMO

 Estridentismo fue un movimiento artístico, llamativo y de vanguardia  interdisciplinario que se inició el 31 de diciembre de 1921 en la Ciudad de México, tras el lanzamiento del manifiesto Actual Nº1 por el poeta Manuel Maples Arce. A él se sumaron Arqueles Vela, Alfredo Sánchez, Germán List Arzubide, Salvador Gallardo, Germán Cueto, Fermín Revueltas, Ramón Alva de la Canal, Luis Quintanilla del Valle y Leopoldo Méndez, quienes constituirían el grupo estridentista, propiamente dicho. Además hay un grupo de artistas que estuvieron ligados en diversas circunstancias al movimiento y que pueden considerarse, en distintos grados, estridentistas: Jean Charlot, Tina Modotti, Gastón Dinner, Armando Zegrí, Humberto Rivas Panedas, Luis Ordaz Rocha, Xavier Icaza, Diego Rivera, Silvestre y Fermín Revueltas.

En 1925, los principales estridentistas se establecen en Xalapa (que será rebautizada y proyectada en sus obras como Estridentópolis), donde realizan una gran labor editorial, cultural y educativa, colaborando en la fundación de la Universidad Veracruzana, bajo los auspicios del gobernador de Veracruz Heriberto Jara, hasta que éste fue depuesto, por el gobierno federal, debido a su apoyo a la defensa de los derechos de los obreros frente a las compañías petroleras estadounidenses y británicas, en la cuestión de la explotación petrolera. Así, al verse privado de su protector, el grupo estridentista se disolvió en 1927. Cada uno continuó produciendo obras por separado, y es así como encontramos autores produciendo aún en los años 1980 y años 1990.

Los estridentistas dan cabida a las expresiones de la cultura popular y de masas del México de los años 1920, lo mismo que asimilan influencias de otras vanguardias como el futurismo, el cubismo y el dadaísmo. Su eclecticismolos llevó a procurar una simbiosis original entre todas las tendencias de la vanguardia, además de desarrollar una dimensión actualista y social, derivada de la Revolución mexicana. Junto con los Contemporáneos, representan el impulso de renovación estética y cultural hacia una literatura moderna y cosmopolita. Entre sus revistas se cuentan Ser (1922), Irradiador (1923), Semáforo (1924) y Horizonte (1926-1927) además del periódico "El Gladiador".

Al decir de uno de sus miembros más destacados, List Arzubide, "El estridentismo se llamó así por el ruido que levantó a su derredor. ¿Qué fue lo conseguido? Sacudir el ambiente. Si hoy no se admiten dioses literarios, fue nuestra irreverencia la que los arrojó de los altares".¹ Este tono, aunque necesario, era insuficiente: sus límites estaban ahí donde perdía su efectividad como sorpresa, como excepcionalidad; había, dice Schneider, "de buscar apoyo en el orden social como justificación del quehacer artístico",² había de volver los ojos al pueblo y hacia él dirigirse y, si era preciso, educarlo. Más adelante otros grupos, desprendidos del arrebato estridentista, harán suya la idea y en sus postulados habrá un sustento pedagógico. La solicitud estridentista para transformar a la poesía, por otro lado, no se perdía en los manifiestos, encontraba su equilibrio con la publicación de poemarios como el de Maples Arce, Andamios interiores, de 1922, o novelas como la de Arqueles Vela, La señorita etcétera, de 1923.³

Orlan

Esta artista de Performance (como se definió en el programa), nació el 30 de mayo de 1947 en Saint-Etiénne (Loire, Francia). Creó sus primeras performances a los 17 años. El padre hablaba esperanto (lengua que ella aprendió) y fue un anarquista anticlerical. “La madre es madre”. Ambos practicaban el nudismo en campos ad hoc. Impresiona por su aspecto extraterrestre, con dos chichones plateados sobre las cejas (“mis órganos de seducción”, diría ella más tarde), un peinado alto mitad blanco y mitad negro y anteojos enormes. Sus antecedentes mediáticos la presentan como “la artista que se opera y hace obras con su sangre y partes del cuerpo”, acercándola a la morbosidad y a modelos autolacerantes como el piercing. Esta impresión prejuiciosa se fue modificando a medida que transcurría la conferencia y tuve la posibilidad de entrar en contacto con su obra y con Orlan misma... que es también su propia obra.
En 1993, el 21 de noviembre, después de la 7º Operación-Performance-Quirúrgica en Nueva York, se hace colocar a cada costado de la frente dos implantes de siliconas utilizados habitualmente para realzar los pómulos, lo que crea dos protuberancias sobre sus cejas.
“Somos una generación que tomamos la palabra para reivindicar nuestro cuerpo. Nos planteamos si ser o no ser madres. ¡Gracias a la píldora, la píldora ...! Había una época en que no casarse y no tener hijos era un acto político bastante violento. Siempre lo más difícil de soportar es que una mujer haga lo que quiera con su cuerpo, no lo que se espera que debería hacer. Queremos tener un cuerpo y poder gozar de él más allá de lo que nos enseñan. La idea es salirse del marco, ejercer el libre albedrío para inventarse y realizar una escultura de sí mismo.
Propongo un cuerpo desacralizado, disidente, que 'decorpora' y puede ser decorado”.1
En 1990 Orlan fue la primera artista que utilizó la cirugía y la cirugía estética en una performance. “La Re-Encarnación de Santa-Orlan” o “Imágenes, Nuevas Imágenes” fue la primera de una serie de “Operaciones-Performances-Quirúrgicas” durante las cuales el quirófano deviene su atelier de donde salen las obras: dibujos con sangre, relicarios, textos, fotos, videos, films, intalaciones... Desde entonces, los medios se apoderaron de la historia de Orlan para fabricar otra a su conveniencia, un producto de consumo más cercano al morbo y lejos, muy lejos de su propuesta.
Para contrarrestar esta imagen mediática, Orlan comenzó la conferencia diciendo: “Llevo 12 años sin operarme. La cirugía no es mi negocio.2 Lo que consideramos lo más privado en nosotros, está 'formateado' socialmente. Este es mi cuerpo, este es mi software”.
“Me rebelé contra los dictados de la ideología dominante. Creo que la identidad es mutante, movediza, nómade. Las imágenes se multiplican: una imagen produce otra imagen. Me operé para esculpirme a mí misma, para producirme y producir una obra. Produje dibujos con mi sangre, dirigí la fotografía y el video durante mis operaciones. Algunas se transmitieron vía satélite. Cada “Operación-Performance-Quirúrgica” es una “Operación-Ópera”.
“El tránsito entre los dos sexos, el femenino y el masculino, entre los dos géneros, entre el ser actual y aquel del mañana, es monstruoso. Las ideas encarnadas por Orlan son perturbadoras porque ellas trastornan los últimos reductos del monoteísmo, sus prohibiciones, sus límites: tenemos el derecho de reinventar el cuerpo humano. Por ella, gracias a los nuevos medios apuntados por la ciencia, el ser humano puede labrarse a sí mismo tanto su carne como su espíritu, inscribir su espíritu en su carne; cada uno es artista y podría transgredir la ley del grupo
(Pearl, Lydie, Artes de la carne, Editions La lettre volée, Bruselas, 1998).
Luego de una cirugía facial, durante los 40 días siguientes Orlan se sacó fotos diariamente mostrando cómo los hematomas del rostro iban cambiando de color y relizó una exposición con estas gigantografías: “El cuerpo fabrica autorretratos”.
“Artaud dijo que se puede cagar de mil formas, dormir mil horas.
Es infinito el tiempo que uno usa para usar la máquina cuerpo. Tiene muy poca autonomía. Necesitamos un cuerpo más liviano, más adaptado. La plenitud del cuerpo dura 30 años, no más. Y eso no es mucho. Hace un tiempo hice un petitorio contra la muerte, y pocos quisieron firmarlo”.
1977 es una fecha clave, porque su escultura y performance titulada “Le Baiser de l'Artiste” (“El Beso de la Artista”) genera un escándalo y reacciones en cadena que ocasionan que sea despedida de su puesto docente como Formadora de Animadores Socioculturales. La obra es Orlan detrás de una pechera-escultura de plástico: el público coloca una moneda en una ranura en el cuello y la moneda cae por una guía y entra por la vagina. Entonces Orlan sale de la escultura y besa a quien puso la moneda. Ante el escándalo, la echaron de la muestra y se sentó en la entrada, donde recibió adhesiones mientras planteaba reflexiones entre el arte y la prostitución. Finalmente, ante el apoyo del público, la institución compró la obra y la expuso en la entrada. “Creo que se vuelve mercancía”.
Está bien claro que el único bien que poseemos (“yo no tengo más que mi piel” se escucha a menudo) nos pesa. Todavía es demasiado porque el sentir-tener (avoir) y el ser-parecer (être) no coinciden, y es la causa de que las relaciones humanas estén mal barajadas: tengo una piel de ángel pero soy un chacal; una piel de cocodrilo, pero soy un cachorrito; una piel negra pero soy un Blanco; una piel de mujer pero soy un hombre. Jamás tengo la piel de lo que soy. No hay excepción a la regla porque jamás parezco lo que siento” (Lemoine-Luccioni, Eugénie, “La Piel es decepcionante”).
                                                                                        (extraido de aqui)

“El mundo ha cambiado. He trabajado por la libertad como muchas mujeres, pero no me siento parte del Club Feminista.
En algunos de esos clubes se maquillan y en otros ridiculizan a quienes lo hacen.
Sin embargo, en esta época las feministas son necesarias.
Yo no era feminista. Estaba contra toda discriminación.
Ahora las cosas se están cerrando por la presión religiosa.
Estamos retrocediendo. La situación es muy grave.
Deberíamos llevar una pancarta que diga:
“Soy una hombre y un mujer”.
Es muy difícil ser”.

Manifiesto del Arte Carnal (extracto de la pág. web de Orlan)